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Installazioni

“Arc de Triomphe, Wrapped” la prima opera postuma di Christo

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Ritardato nell’avvio, previsto per primavera del 2020, finalmente ha preso le mosse il primo progetto postumo di Christo. Si tratta dell’ “Arc de Triomphe, Wrapped”, l’opera che l’artista bulgaro famoso in tutto il mondo per il suo empaquetage aveva progettato con la moglie Jeanne-Claude quasi 60 anni fa, in collaborazione con il Centre des Monuments Nationaux e il Centre Pompidou di Parigi, ottenendo l’autorizzazione ai lavori nel 2019, purtroppo non iniziati per la sopraggiunta e improvvisa morte dell’artista.

La messa in opera è partita il 16 luglio scorso e prevede la caratteristica copertura del monumento architettonico parigino con 25mila metri quadrati di tessuto in propilene blu e argento e 700 metri di corda rossa, entrambi dai colori cangianti che riprendono quelli del tricolore francese e dal materiale riciclabile.

La data di inaugurazione dell’opera è prevista per il prossimo 18 settembre, rimanendo a diposizione della fruizione pubblica fino al 3 ottobre 2021.

Seguendo la visione del celebre duo artistico, anche quest’opera sarà autofinanziata, stavolta attraverso una mostra e vendita all’asta dal titolo “The final Christo” presso la sede parigina di Sotheby’s. In vendita sono circa 25 disegni originali e bozzetti preparatori che ripercorrono tutta la fase progettuale dell’opera, realizzati nel tempo dalla coppia di land artist. Sono pastelli, pitture, mappe, schizzi, fotografie, opere su carta anche di grandi dimensioni stimati tra i 150.000 e i 2,5 milioni $. il cui  ricavato servirà in parte a coprire una spesa valutabile intorno ai 16 milioni $. e in parte sarà devoluta alla Fondazione Christo & Jeanne-Claude nata per salvaguardare l’eredità degli artisti negli anni.

Il progetto michelangiolesco del Ponte Farnese diventa realtà “sospesa”

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Un desiderio che diventa realtà… una realtà effimera, leggera e volatile come la sostanza dei sogni ma vera! Anche se per pochi giorni, Palazzo Farnese realizza l’incompiuto progetto michelangiolesco del Ponte Farnese, un ponte di collegamento tra il palazzo e i giardini allocati sull’altra sponda del Tevere, voluto da papa Paolo III Farnese. L’opera, iniziata nel 1603, è stata poi abbandonata per difficoltà economiche e la definitiva decadenza della dinastia Farnese, lasciando solo un tratto ancora oggi visibile detto “Arco Farnese”.

Dopo la morte di Michelangelo, la sovrintendenza dei lavori era passata prima al Vignola e poi al Della Porta ma il progetto risultava troppo oneroso per la famiglia che aveva già speso molti soldi per la costruzione e la decorazione del palazzo, che risulta ad oggi tra i più belli al mondo. Nel 1612 poi un incendio distrusse librerie e archivi di grande valore e questo avvenimento fece accantonare la possibile idea di prosecuzione dei lavori del ponte, limitandosi solo a mettere in sesto l’arco. Nel ‘700 infine, il palazzo passò ai Borbone che pensarono unicamente a trasferire molte delle opere custodite all’interno, a Napoli, come il famoso Toro Farnese conservato nel Museo Archeologico Nazionale partenopeo.

Oggi, nell’ambito dei cicli di restauro del Palazzo, attualmente sede dell’Ambasciata Francese, che dureranno 5 anni, si è voluto mettere in opera quel famoso progetto dimenticato, con un’installazione temporanea affidata all’artista Olivier Grossetête, non nuovo ad un tipo di costruzioni, potremmo dire, comunitarie, monumentali e poetiche come quella che si prospetta per il ponte.

Difatti sarà realizzato un ponte di cartone di circa 18 metri sollevato da terra, al di sopra del Tevere come collegamento immaginario e simbolico tra le due sponde e le due antiche proprietà Farnese, da palloni ad elio dell’ampiezza di 6 m. di diametro. L’opera sarà frutto di un lavoro di collaborazione tra cittadini volontari che assembleranno i cartoni del ponte durante i workshop di luglio (dall’8 al 12), coordinati dall’artista fino al giorno dell’inaugurazione prevista per il 13 luglio 2021, vicino Ponte Sisto a Roma. Il ponte fluttuerà sui cieli di Roma per 5 giorni, dopo di che l’opera sarà smontata e i pezzi saranno destinati a materiale di recupero.

F-Light, il festival delle luci di Firenze diventa quest’anno “Sight, dalla selva alla luce”…

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Il tradizionale appuntamento natalizio della città di Firenze con il festival F-Light, si rinnova anche quest’anno caricandosi di nuova bellezza e nuovo significato. Un po’ come risposta solidale e piena di speranza al difficile periodo che continuiamo ad affrontare, il festival delle luci fiorentino abbraccia, per quest’edizione, il tema del passaggio dalla tenebre alla luce, con Sight, dalla selva alla luce, citando Dante, di cui l’evento diventa anche omaggio, in vista della ricorrenza dei 700 anni dalla sua morte che ricade nell’anno 2021. Proprio quest’anno la voglia di uscire da un anno oscuro come oscura era la selva di Dante, e poter rivedere la luce, è forse il desiderio che accomuna un po’ tutti in ogni parte del mondo. Pertanto l’esplosione di luce proposta dal festival diventa non solo bellezza che si rinnova ma anche metafora di speranza.

Così il centro urbano della città ma anche zone periferiche si vestono di “vitali” raggi di luce attraverso video-mapping, proiezioni, lightshow ed installazioni artistiche, presenti  per tutto il periodo natalizio, dall’8 dicembre 2020 al 6 gennaio 2021. Partendo dalle piazze principali della città, si possono vedere sulle mura di Palazzo Medici Riccardi e Ponte Vecchio un fascio luminoso con suggestivi effetti geometrici e figurativi e stralci della Divina Commedia o il Museo Novecento illuminato da un’istallazione dell’artista collettiva Claire Fontaine che riempirà il cielo con la scritta “Siamo con voi nella notte” unendo tutti in un abbraccio condiviso e solidale.

Sempre il Museo Novecento conferma poi il consueto appuntamento con THREE ARTIST TREES, un progetto che coinvolge tre artisti internazionali – Michelangelo Pistoletto, Mimmo Paladino e Domenico Bianchi – nella creazione di opere site specific di alberi di Natale d’artista, installati in Piazza Gino Bartali e Piazza Santo Spirito (presenti dall’8 dicembre) e Piazza Santa Maria Novella (presente dal 15 dicembre).

Oltre poi ad altri luoghi simbolo investiti da luminarie dinamiche colorate per tutta la durata del festival, un omaggio particolare sarà dedicato anche alle strutture ospedaliere, a simbolo della resistenza e ringraziamento per il duro lavoro durante l’emergenza sanitaria. L’installazione luminosa è intitolata “I fari della resistenza. Fede, Speranza, Carità” e sarà proiettata in cielo in uno dei giorni più prossimi a Natale.

[immagine di copertina tratta dal sito www.flight.it]

Jeff Koons: il kitsch come arte per destare meraviglia

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È considerato il re del kitsch. Nonché uno degli artisti più pagati al mondo: il suo Rabbit, una scultura in acciaio raffigurante un coniglio creata nel 1986, è stato venduto all’asta da Christie’s a New York per 91,1milioni di dollari (poco più di 80milioni di euro), superando il “Portrait of an artist” dell’artista britannico David Hockney.

Jeff Koons, icona statunitense del neo pop, capace di miscelare porno, celebrities e società dei consumi, deve la sua fortuna all’utilizzo di un’ampia gamma di tecniche con le quali è riuscito a ricucire insieme la lezione della pop art di Andy Warhol e quella del ready made di Marcel Duchamp…

… “spero che quando le persone guarderanno la mia mostra sentiranno un senso di wow e che realizzeranno come questo wow riguardi loro stesse”. Secondo l’artista, è proprio questo senso di stupore a garantire l’effetto democratizzante dell’arte, il suo potere di abbattere le gerarchie e di fondare una repubblica basata sulla meraviglia. In effetti, attraversando le sue opere, è praticamente impossibile non restare stupiti. Cani, fiori e palloncini colorati e specchianti. Michael Jackson in ceramica accompagnato da finiture d’oro al fianco di una scimmia. Il ciclo “Made in Haeven” con la moglie Cicciolina con cui fa gridare allo scandalo alla Biennale di Venezia del 1990. Il “Puppy fiorito” che troneggia all’ingresso del Guggenheim di Bilbao progettato da Frank ‘O Ghery. Dopo i Paesi Baschi è la volta della collezione Pinault, poi di quella Vuitton a Parigi fino alla Fondazione Prada di Milano…

… Negli anni non sono mancate le accuse da certa parte della critica che lo ha bollato come affarista, capace di creare “allure” sul nulla per un pubblico di ricchi annoiati. Lui, Mr. Koons, non si è mai lasciato scalfire, ricordando che materia del contendere non è l’arte, né i soldi, ma l’uomo e l’intensità. Il consumismo rientra nel ciclo. Come tanti tasselli del quotidiano e degli oggetti che l’artista reinventa e trasforma attraverso processi molto lunghi e dispendiosi…

Articolo completo sulla rivista IconArt Magazine 2019

Kaws di scena a Taipei con la mostra “Kaws: Holiday”

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Lo street artist Kaws, famoso per le sue creazioni che si pongono a metà strada tra arte e commercio globale, è attualmente di scena a Taipei con la grandiosa installazione di Companion, uno dei personaggi più conosciuti da lui ideati.

L’originalità di Kaws sta nel creare giocattoli in vinile e vestiti in edizione limitata che assumono valore d’arte sia per le cifre a cui arrivano – tanto da rientrare nella sfera di attenzione dei collezionisti – sia per la decontestualizzazione che a volte ne dà trasformandoli in vere e proprie sculture di grandi dimensioni con stessa forma ma realizzate con materiali differenti. Questa sua scelta operativa, lo porta ad oltrepassare il piano del mercato artistico in senso stretto per occupare un mercato globale molto più complesso. Difatti non mancano nel percorso artistico di Kaws collaborazioni con brand importanti come Dior, Nike, Undercover, Supreme ma anche esposizioni in musei, gallerie internazionali e piazze di città come Shanghai, Hong Kong, Bangkok, Los Angeles, New York.

"Kaws: Holiday" [foto tratta dalla pagina facebook di AllRightsReserved].png
“Kaws: Holiday” [foto tratta dalla pagina facebook di AllRightsReserved].png

Companion è un personaggio che nelle fattezze ricorda Mickey Mouse, (forse retaggio delle esperienze passate dell’artista quando ha lavorato come animatore freelance presso la Disney) ma che ha il volto formato da un teschio attraversato da ossa incrociate. L’installazione che si trova nella capitale di Taiwan è un enorme gonfiabile che supera i 30 metri di altezza, posto in posizione seduta a dominare il paesaggio urbano. La “scultura” fa parte della mostra “KAWS: HOLIDAY” già inaugurata questa estate a Seoul ed ora in giro per il mondo. Come ogni esposizione di Kaws, la mostra è accompagnata da un merchandise creato apposta, sempre in edizione limitata, che include zaini, t-shirt, piatti in ceramica e miniature di Companion. Visitabile fino al 27 gennaio 2019, “KAWS: HOLIDAY” è frutto della collaborazione con il cantante e collezionista JJ Lin e con l’agenzia creativa AllRightsReserved, con cui l’artista lavora già da lungo tempo.

Jorit Agoch a Firenze per celebrare Nelson Mandela

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Anche Firenze partecipa alle celebrazioni del centenario della morte di Nelson Mandela e lo fa con un’opera interessante, che rompe nelle strade della città, con un messaggio carico di significato da consegnare ai passanti. L’opera, in fase di realizzazione, è un enorme murale  di circa 126 metri, affidato all’estro di uno dei più noti street artist del momento, Jorit Agoch. S’intitola Il condominio dei diritti e sorge sulla facciata di un palazzo residenziale popolare vicino piazza Leopoldo, un luogo che ha un’antica tradizione popolare e operaia, come ha detto lo stesso Massimo Gramigni, presidente dell’Associazione Mandela Forum, tra i committenti dell’opera di Agoch, aggiungendo che “Il condominio dei diritti vuole ricordare l’importanza di una battaglia per i diritti a cui Mandela dedicò l’intera vita” e con un messaggio del genere il giovane street artist non poteva che accettare l’incarico!

Agoch infatti, napoletano di madre olandese, si è sempre distinto per la sua arte in grado di coniugare l’aspetto estetico dell’opera con quello di valenza sociale. E’ difatti famoso per le enormi effigie di volti umani che occupano le facciate di palazzi nelle strade cittadine quali per esempio il San Gennaro e il Che Guevara  a Napoli. Ha inoltre lavorato a Roma, in Palestina ed ora è intento a portare a termine il Mandela a Firenze, quale esempio di libertà e lotta per i diritti umani, per il quale ci vorranno circa 10 giorni, lavorando per almeno 8 ore al giorno.

Ad opera ultimata, sarà lo stesso Agoch a presentare il murale al pubblico.

Intanto è possibile seguire gli avanzamenti dell’opera sui social, grazie all’Associazione Nelson Mandela che condivide il grande evento con gli utenti di facebook, instagram e twitter.

Jorit Agoch - Il condominio dei diritti - work in progress [dalla pagina facebook dell'Associazione Nelson Mandela]
Jorit Agoch – Il condominio dei diritti – work in progress [dalla pagina facebook dell’Associazione Nelson Mandela]

Rock Balancing… l’arte in equilibrio!

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Negli ultimi anni, complice l’accresciuta viralità delle opere sui social specie ad opera dell’artista Michael Grab, sta prendendo sempre più piede una forma artistica basata su una pratica antica quanto l’uomo.

Mai sentito parlare, infatti, di Rock Balancing? Questa forma di espressione artistica appartiene alla Land art, essendo anche essa segno effimero di un intervento diretto sulla natura. Come tradisce il significato delle parole che ne compongono il nome, il Rock Balancing consiste nella creazione di sculture transitorie realizzate con sassi posti in equilibrio l’uno sull’altro. E’ un’arte ed una tecnica nello stesso tempo, in quanto la creazione nasce dalla ricerca di quel punto di contatto che metta in equilibrio gli elementi accostati, frutto di pazienza, meditazione, conoscenza delle leggi fisiche, sfida agli agenti atmosferici (come il vento) e dalla sensibilità e soggettività dell’esperienza che rende quindi le opere molto personali e pertanto facilmente riconducibili all’uno o all’altro artista. Quello che può sembrare quasi un gioco si trasforma in sculture affascinanti dove semplici elementi della natura ,come i sassi, assumono forme che sfidano la gravità e comunicano concetti importanti quanto elementari.

Ma non esiste un solo stile o una sola tecnica che disciplina l’estro alla ricerca dell’equilibrio. Le opere di Rock Balancing si differenziano per i metodi  impiegati: le pietre possono essere impilate una sull’altra, posizionate in linea secondo uno stesso centro di gravità, poste a fare da contrappeso, disposte ad arco, ammucchiate a sfera, ecc. Ogni metodo produce un risultato diverso e  non tutti hanno le stesso grado di difficoltà, alcuni appartengono a stadi avanzati della tecnica. Le opere in quanto effimere possono durare pochi secondi al massimo qualche giorno, dopo di che ne resta l’unicità catturata dagli scatti dell’artista.

Tra gli artisti balancer più noti ritroviamo Andy Goldsworthy che con le sue spettacolari installazioni di Land art ha ispirato un’intera generazione, Michael Grab – prima citato – che è stato l’artefice della diffusa conoscenza ai tempi nostri di questo tipo di espressione artistica, sfruttando la potenzialità dei social, lo scandinavo Pontus Jansson, l’artista e fotografo canadese John Félice Ceprano, Bill Dan, Nadine Fourrè.

Il genio e la follia della “principessa dei pois”: Yayoi Kusama

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La chiamano la “principessa dei pois”. Ha influenzato artisti del calibro di Andy Warhol e Lichtenstein.  La sua arte è allucinante e provocatoria. E’ Yayoi Kusama, artista nipponica d’avanguardia, famosa in tutto il mondo per la sua poliedricità e per l’ossessionante ricorrenza del “polka dot” divenuta cifra distintiva della sua pittura.

Allucinazioni, Pop Art e pois

In bilico tra genio e follia, Yayoi Kusama inizia a dipingere già da piccola, dando forma a quelle allucinazioni, sintomo dei primi disturbi mentali, forse conseguenza del contrasto tra il suo mondo interiore e quello – per lei troppo stretto – fatto di rigore accademico e rigidità educativa, imposto dalla famiglia. All’età di 30 anni riesce ad andare a New York ed è qui che definisce la sua arte, lasciandosi attrarre dal fermento artistico di quegli anni, dominato dalle prime espressioni della Pop Art. Produce così le prime opere della serie “Infinity Net”, grandi tele lunghe quasi una decina di metri, seguite dalle “Accumulation” e dalle “Sex Obsession”, per poi giungere – intorno alla metà degli anni ‘60 – alle “Kusama Happenings”, ossia performance provocatorie e spesso osé, in cui il tema dei pois invade la materia, passando dalla tela al muro, al corpo umano,  il quale sembra quasi sparire o essere assorbito dall’opera stessa. Una sorta di risposta all’evoluzione della sua stessa esperienza ossessiva di auto-cancellazione, culminante nelle “Infinity Rooms”, stanze con installazioni di tanti piccoli led luminosi e specchi, che riflettendo la luce in più direzioni, creano l’illusione di uno spazio infinito nel buio, in cui perdersi e scomparire.

Tra arte moda e musica

Tornata in Giappone, vive per sua scelta all’interno di un ospedale psichiatrico, continuando però la sua attività e sperimentazione. Esplora ulteriormente i diversi mondi dell’arte, facendosi conoscere anche come scrittrice surrealista, scultrice, progettista e iniziando collaborazioni importanti anche nel campo della moda e della musica. Sua è l’ispirazione del video di Peter Gabriel “Love Town” in cui confluiscono tutte le ossessioni dell’artista, dai pois al sesso, dai reticolati al cibo; mentre grande è il sodalizio nel 2012 con la casa di moda Louis Vuitton, che adotta i suoi “dots” per abbigliamento, borse ed accessori.

Kusama nel mondo

L’artista è presente in tutti i più grandi musei del mondo; ha esposto alla Biennale di Venezia nel 1993, con un’opera molto particolare in cui compare per la prima volta la zucca, tema divenuto poi ricorrente, dal 2017 è a Tokio con un museo a lei dedicato, dove sono esposte collezioni temporanee, una permanente, installazioni immersive e dove trovare una sala lettura con scritti relativi al suo lavoro. Quest’anno la si può trovare a Giacarta fino al 9 Settembre 2018, al Macan, il museo di arte moderna e contemporanea della capitale indonesiana.

Un’ultima curiosità: sull’artista è stato prodotto anche un libro “Yayoi Kusama: From Here to Infinity” che in 26 pagine illustra ai più piccoli la storia e l’arte di un’artista eccentrica e fuori del comune, che continuerà ad influenzare intere generazioni.

Gemme e pietre preziose, materie “plastiche” dell’arte

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Oggi come oggi, l’arte si è allargata all’uso di qualsiasi materiale… Materiali poveri si nobilitano uscendo dal loro contesto e dalla loro destinazione d’uso e materiali ricchi si calano sulla tela o sulla pietra vestendo di nuovo valore l’opera. Tutto è una questione di stile e d espressione creativa dell’artista. Per esempio, c’è chi ha fatto delle pietre preziose un elemento distintivo della propria arte, puntando sulle qualità intrinseche della materia o sul gioco dei significati o ancora sulla scoperta di culture. Artisti differenti  che hanno la preziosità della materia in comune, in cui hanno intrappolato la pluralità dei loro messaggi.

Suzan Drummen è un’artista visuale olandese. Le sue opere sono caleidoscopiche installazioni su pavimento o parietali, che nascono da una ripetizione di forme geometriche, specie circolari, che rimandano a rappresentazioni di mandala. Effetti di luce, fenomeni visivi, illusioni ottiche e cromatiche sono le esperienze percettive da cui lo spettatore viene investito dinanzi una sua opera. Tutto si genera dall’uso di pietre preziose, specchi, metallo cromato, cristalli e vetri ottici che l’artista dispone in una geometria perfetta ed armonica , frutto dell’improvvisazione e dell’ispirazione dei luoghi. L’artista infatti crea senza  un disegno preliminare ma si fa guidare dagli spazi e dalle atmosfere, diventando anche la luce e il colore, materia plasmata attraverso le mille sfaccettature delle pietre.

Suzan Drummen - installazione [foto-profilo facebook Suzan Drummen]
Suzan Drummen – installazione [foto-profilo facebook Suzan Drummen]
Paul Koudounaris è un critico d’arte e famoso fotografo di Los Angeles che ha legato la sua persona alla fama di massimo esperto di arte macabra. Affascinato dall’usanza delle reliquie sia nei riti religiosi che come ornamento sacro, l’artista ha girato il mondo immortalando ossari e tombe, tanto da essere soprannominato “Indiana Bones” (“bones” significa “ossa” in inglese). Tra questi spiccano teschi variamente ornati e decorati con gemme e gioielli. Una vera e propria documentazione dell’esorcizzazione della morte nella cultura cristiana e del messaggio di preziosità e bellezza legata alla vita ultraterrena.

Paul Koudounaris - [foto-sito empiredelamort.com]
Paul Koudounaris – [foto-sito empiredelamort.com]
Damien Hirst è un celebre artista britannico la cui arte è incentrata sul tema della morte, stavolta però spettacolarizzata nella sua crudezza per spingere il fruitore a riflettere sulla caducità della vita. Anche questo artista si è affidato al valore dei preziosi e ha firmato una delle sue opere più famose – “For The Love of God” – con la purezza del diamante. Si tratta di un teschio umano in platino, a grandezza reale e con denti veri, nel quale sono stati incastonati circa 8601 diamanti a ricoprire tutta la superficie ed  uno più grande posto al centro, sulla fronte, da 52,4 carati. L’opera costata intorno ai 12 – 14 milioni di sterline, è stimata 50 milioni di sterline, la cifra più alta in assoluto per un’opera contemporanea.

Damien Hirst - For The Love of God-
Damien Hirst – “For The Love of God”

Christo e Jeanne Claude, una simbiosi artistica oltre la vita

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La mente e la mano. Potremmo quasi così definire Christo e Jeanne Claude. Protagonisti assoluti della Land art ed artisti dell’empaquetage – la sorprendente forma d’arte con cui hanno “impacchettato” monumenti, ed ambienti –  i due coniugi hanno firmato opere in tutto il mondo. Con la loro singolare tecnica hanno impresso una speciale impronta nel ricordo di quell’happening capace di rompere la grigia routine della quotidianità, con momenti che sembrano quasi rubati al piano dell’onirico. Una simbiosi artistica, in cui era Christo a mettere idea e disegno e Jeanne Claude, l’organizzazione. Oggi, dopo la morte della moglie avvenuta nel 2009, è solo Christo a portare avanti il progetto, realizzando però anche quelle opere che aveva  ideato con la compagna ma non avevano ancora trovato realizzazione.

The Floating Piers, dall’idea alla realizzazione

Tra queste c’è “The Floating Piers”, un’opera realizzata nel 2016, in Italia, ma già in testa agli artisti 46 anni prima. Per quanto ipotizzati vari luoghi, tra cui, prima il bacino del Rio de la Plata in sud America e poi – nel 1995 –  la baia di Tokyo, il progetto fino a quel momento non era stato mai portato a termine. E’ stato il lago d’Iseo ad ospitare l’imponente installazione.  Un progetto eccezionale che a livello organizzativo ha visto 22 giorni di lavoro per l’installazione – quasi un record se si pensa che opere del genere possono impiegare anni – ed impegnati ingegneri, compagnie di costruzione, sommozzatori; per la sicurezza e l’informazione invece erano presenti guardia marina, bagnini e addetti info-point.

Christo-Floating Piers
Christo – “Floating Piers” (2016)

Una grande opera in movimento

“The Floating Piers”  era una passerella che si estendeva per circa 3 chilometri e che collegava due piccole isole del lago, tra di loro e con la terraferma, dando l’incredibile suggestione di camminare sulle acque ed esperire l’opera come dentro ad un quadro. Il paesaggio lacustre con le montagne alle spalle, i raggi caldi del sole, lo scuotere del vento, lo scroscio della pioggia, il camminare fino al bordo dell’acqua senza parapetti, ma anche il tono del giallo zafferano della passerella accostato al blu delle acque, le variazioni cromatiche di volta in volta diverse, lasciate dai passi dei fruitori sul tessuto di nylon progettato proprio per cambiare colore in base all’ora del giorno e al tempo, tutto ha concorso a dare vita a questa grande opera in movimento .

Christo-Floating Piers-particolare
Christo- “Floating Piers”-particolare