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Arte

La scultura è solitudine

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Domenico Sorrentino, artista cavese, fine scultore ed impegnato ricercatore e affinatore di stile, spiega il concetto di scultura secondo il punto di vista dell’artista, appassionato ed empatico.

 

Ogni scultura esprime solitudine, sempre e da sempre.

[…] Al di là di ciò che essa rappresenta, la scultura prima di essere manifesta è sempre un’idea, un’intuizione. […]

Proviene dal mondo dell’immaginazione. Nel momento in cui qualcuno decide di renderla condivisibile, la realizza, cioè la rende reale. […]

Per realizzarla usiamo materiali di cui disponiamo nel nostro mondo, nella nostra natura.

Intrappoliamo un’idea nella materia, traendola lontano dalla sua origine, perciò è SOLA.

Quando il materiale con cui è realizzata col tempo si usura, si rompe, si trasforma, solo allora ritorna ad essere IDEA e può tornare a casa.

[…] Queste considerazioni mi hanno permesso di comprendere alcuni miei stati d’animo che mi inquietavano.

Trovo le mie opere sempre troppo pesanti. Spesso si schiacciano sotto il loro stesso peso, mentre i disegni preparatori sono sempre leggeri, aerei.

Adesso mi è chiaro: […] Le idee non hanno peso.

Il conflitto che si accende tra l’immaginazione e la realizzazione è la principale frustrazione degli artisti di tutti i tempi…

L’articolo integrale e completo sulla rivista IconArt magazine n° 2

Al MoMa di New York, l’arte di Brancusi

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Al MoMa di New York si omaggia uno dei maggiori scultori del Novecento, Constantin Brancusi, che con la sua continua sperimentazione stilistica, ha dato nuova dimensione alle arti plastiche, amplificandone le possibilità della loro libertà espressiva rispetto ai soggetti raffigurati, riportandoli quasi all’astrazione. Con una mostra aperta al pubblico dal 22 luglio 2018, il Museo di Arte Contemporanea della Grande Mela porta lo spettatore a scoprire la visione purista, sintetica e primitivista dell’artista rumeno che rivoluzionò il modo di intendere la scultura.

Stabilitosi a Parigi nei primi del ‘900, Brancusi fu dapprima affascinato dai giochi di luce delle forme scolpite da Medardo Rosso, che ebbe modo di vedere in una retrospettiva che si svolgeva nella capitale mondiale dell’arte proprio in quegli anni, ed entrò poi a far parte della scuderia degli apprendisti di Auguste Rodin. Qui ben presto si trovò a rifiutare la pratica di studio di modellare la creta per poi fonderla nel bronzo, per prediligere invece una scultura che libera direttamente, dal legno e dalla pietra, le forme sempre più stilizzate del reale. La sua vena di sperimentatore lo portò pian piano a definire uno stile tutto suo, personale, che influenzò la scultura del secolo scorso, fatto di semplicità e sintesi, di sottrazione e schematizzazione delle forme, di evocazione dei soggetti per analogia e non di realismo descrittivo. La sua natura di innovatore invece lo portò ad annullare la distanza concettuale tra piedistallo ed opera d’arte, concependoli come un tutt’uno che si completa e si integra. Anche le sue ultime opere risentirono della continua sperimentazione, in una svolta sempre più tecnologia mediata dall’amico Man Ray, che gli fece conoscere l’arte su pellicola cinematografica. A questo punto le opere diventarono più dinamiche, ponendo se stesso al centro di una rappresentazione in cui l’artista è ripreso nell’atto di lavorare la materia, di plasmare le forme e giocare con la luce ed i temi d’ispirazione.

Tutto ciò è raccolto nell’esposizione delle 11 sculture di Brancusi messe in mostra accanto a disegni, fotografie, film che insieme creano una summa straordinaria della ricerca artistica dello scultore e che segnano, per la prima volta, legami e rapporti dell’artista con amici, mecenati e musei come lo stesso MoMa.

La mostra dal titolo “Constantin Brancusi Sculpture” è visitabile fino al 18 Febbraio 2019. Maggiori informazioni sul sito ufficiale del MoMa.

Il genio e la follia della “principessa dei pois”: Yayoi Kusama

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La chiamano la “principessa dei pois”. Ha influenzato artisti del calibro di Andy Warhol e Lichtenstein.  La sua arte è allucinante e provocatoria. E’ Yayoi Kusama, artista nipponica d’avanguardia, famosa in tutto il mondo per la sua poliedricità e per l’ossessionante ricorrenza del “polka dot” divenuta cifra distintiva della sua pittura.

Allucinazioni, Pop Art e pois

In bilico tra genio e follia, Yayoi Kusama inizia a dipingere già da piccola, dando forma a quelle allucinazioni, sintomo dei primi disturbi mentali, forse conseguenza del contrasto tra il suo mondo interiore e quello – per lei troppo stretto – fatto di rigore accademico e rigidità educativa, imposto dalla famiglia. All’età di 30 anni riesce ad andare a New York ed è qui che definisce la sua arte, lasciandosi attrarre dal fermento artistico di quegli anni, dominato dalle prime espressioni della Pop Art. Produce così le prime opere della serie “Infinity Net”, grandi tele lunghe quasi una decina di metri, seguite dalle “Accumulation” e dalle “Sex Obsession”, per poi giungere – intorno alla metà degli anni ‘60 – alle “Kusama Happenings”, ossia performance provocatorie e spesso osé, in cui il tema dei pois invade la materia, passando dalla tela al muro, al corpo umano,  il quale sembra quasi sparire o essere assorbito dall’opera stessa. Una sorta di risposta all’evoluzione della sua stessa esperienza ossessiva di auto-cancellazione, culminante nelle “Infinity Rooms”, stanze con installazioni di tanti piccoli led luminosi e specchi, che riflettendo la luce in più direzioni, creano l’illusione di uno spazio infinito nel buio, in cui perdersi e scomparire.

Tra arte moda e musica

Tornata in Giappone, vive per sua scelta all’interno di un ospedale psichiatrico, continuando però la sua attività e sperimentazione. Esplora ulteriormente i diversi mondi dell’arte, facendosi conoscere anche come scrittrice surrealista, scultrice, progettista e iniziando collaborazioni importanti anche nel campo della moda e della musica. Sua è l’ispirazione del video di Peter Gabriel “Love Town” in cui confluiscono tutte le ossessioni dell’artista, dai pois al sesso, dai reticolati al cibo; mentre grande è il sodalizio nel 2012 con la casa di moda Louis Vuitton, che adotta i suoi “dots” per abbigliamento, borse ed accessori.

Kusama nel mondo

L’artista è presente in tutti i più grandi musei del mondo; ha esposto alla Biennale di Venezia nel 1993, con un’opera molto particolare in cui compare per la prima volta la zucca, tema divenuto poi ricorrente, dal 2017 è a Tokio con un museo a lei dedicato, dove sono esposte collezioni temporanee, una permanente, installazioni immersive e dove trovare una sala lettura con scritti relativi al suo lavoro. Quest’anno la si può trovare a Giacarta fino al 9 Settembre 2018, al Macan, il museo di arte moderna e contemporanea della capitale indonesiana.

Un’ultima curiosità: sull’artista è stato prodotto anche un libro “Yayoi Kusama: From Here to Infinity” che in 26 pagine illustra ai più piccoli la storia e l’arte di un’artista eccentrica e fuori del comune, che continuerà ad influenzare intere generazioni.

Tamara de Lempicka, l’artista Decò ammirata da Madonna e Barbra Streisand

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Trasgressione, raffinatezza, mistero, modernità, divismo, tutto ciò è Tamara de Lempicka artista icona di un’epoca e di uno stile. E’ la donna che trasformato la sua identità sfuggendo la banalità, che ha “decorato” la sua vita perché, così come nell’arte, “a contare è la forma”, che ha sedotto con le sue sregolatezze snobbando avances anche di personaggi come Gabriele D’Annunzio, da lei definito “nano italiano”, è l’emblema dei “ruggenti anni Venti” e di quel gusto estetico definito Art Decò che caratterizzò l’Europa e gli USA fino agli anni Trenta.

Gli anni del gusto Decò

L’Art Decò era uno stile energico, plastico, mondano simbolo della filosofia anticonformista della ricca borghesia dedita a feste e con una vita sempre al limite, così come è dipinta nel contemporaneo “Il Grande Gatsby” di Francis Scott Fitzgerald, conseguenza dell’esorcizzazione dei demoni della prima guerra mondiale. I caratteri erano mutuati dall’antica arte egizia, cinese e precolombiana, dal cubismo e dal futurismo, rivelandone la maggiore espressione soprattutto nelle arti decorative.

Un’esistenza di “confine”

Tamara impersonava tutto questo e anche di più. Avvicinatasi all’arte prima come disegnatrice di cappelli e poi come pittrice, riversava nei soggetti dei suoi quadri tutte le sfaccettature della sua esistenza “di confine”. Come ella stessa diceva: “vivo la vita ai margini della società e le regole della società normale non si applicano a coloro che vivono ai margini”. Prediligeva le figure femminili e ogni volto parlava di lei, delle sue diverse sfumature e delle donne emancipate. Le tratteggiava nude, in pose a volte ambigue (non è segreta la sua bisessualità), tinte dell’eroticità del rossetto rosso che spiccava sui corpi scoperti; oppure libere ed indipendenti alla guida; o ancora eleganti come modelle (fu indossatrice). In ognuna di esse però è presente una nota malinconica, triste, intima, rivelata dallo sguardo e dagli occhi ed incorniciata dai pochi e decisi colori della sua tavolozza, conseguenza di una profonda depressione che ha segnato l’artista. Le sue opere sono in maggior parte presenti in collezioni private anche di celebrities come Madonna, Barbra Streisand, Jack Nicholson, il che ha contribuito ad alimentare la sua distanza col pubblico ed un suo successo post mortem, continuando a vedere in Tamara, nel tempo, più una donna ammirata che un’artista conosciuta.

Dalla videoarte al videogame come forma d’arte con Bill Viola

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Bill Viola è un videoartista statunitense, di origini italiane, tra i più apprezzati del panorama mondiale. L’eccezionalità della sua arte sta nel realizzare video-installazioni emotivamente impattanti, cariche di richiami metaforici e profondità liriche, che attingono ai campi diversi  della filosofia, della musica, dell’arte.

Le sue opere quasi naturalmente inducono ad una riflessione sull’essere umano, sull’illusorietà della vita ed il suo sottile confine con la morte, reinterpretati  secondo rappresentazioni simboliche dei cicli di vita e morte, dell’alternanza di notte e giorno, affidate ad un uso della tecnologia sempre più sofisticata, perfezionata in una sperimentazione e ricerca personale lunga trent’anni.  Iniziata con la formazione in visual and performing a New York, la sua sperimentazione è passata per la direzione di uno dei primi studi europei di videoarte a Firenze e per la cultura zen acquisita in Giappone dove ha  anche partecipato alle ricerche di alta tecnologia per la Sony. L’ulteriore evoluzione è confluita nel passaggio dalla videoarte al videogioco come forma d’arte. Dalla collaborazione con l’USC Game Innovation Lab dell’università  della California del Sud, è infatti nato “The Night Journey”, un videogame sperimentale, da qualche giorno disponibile anche come intrattenimento ludico domestico.  Dopo circa dieci anni, in cui il gioco è circolato in vari musei del mondo come un “work in progress“, oggi il progetto è diventato un prodotto per Pc, Mac e Playstation 4.

“The Night Journey” si distingue dai giochi tradizionali per atmosfere ed esperienza. Non ci sono infatti livelli da superare o sfide da affrontare. Il percorso è di tipo contemplativo e si enuclea da un universo oscuro e misterioso, nel quale il giocatore si muove esplorando gli ambienti – tramite i comandi – alla ricerca della strada per l’illuminazione. Spesso il tragitto, rotto da sequenze di origine onirica, muove alla riflessione e alla meditazione, ponendosi proprio sulla scia di spiritualità, misticismo, poesia di cui l’artista si è servito per creare le atmosfere immersive del gioco. In particolare ci sono forti riferimenti alla vita del poeta persiano del tredicesimo secolo, Rumi, dal quale Viola si è fatto piacevolmente affascinare.

Montella in mostra: il vernissage domani, 5 Luglio

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Sul prossimo numero di IconArt Magazine, la nostra rivista, a cadenza bimestrale, che si occupa d’intrattenimento culturale ed artistico, con uno spazio privilegiato agli artisti emergenti, sarà presente l’intervista ad Armando Montella, vincitore del premio Prince Art Gallery all’interno della più vasta manifestazione della Biennale del Tirreno.

Svoltasi nel mese di Giugno, a Cava de Tirreni, Salerno, la Biennale ha offerto una preziosa occasione per oltre 150 artisti di farsi conoscere e di far apprezzare il proprio talento, valorizzato da diversi premi, messi a disposizione dagli organizzatori, l’associazione ArtetrA di Veronica Nicoli in collaborazione con la Prince Group di Armando Principe.

Montella, che ha concorso per la sezione fotografia, è emerso per le sue qualità di saper trascendere l’immagine, di portare lo spettatore oltre, a sondare le sfere dell’animo umano agitate dalla potenza dei tratti, delle sfumature e dei momenti catturati dall’obiettivo.  Il riconoscimento ricevuto gli è valso l’importante presenza alla Alson Gallery, rinomata galleria di Milano famosa per avere esposizioni di arte antica, moderna e contemporanea, nonché di gioielli e preziosi d’epoca. Per l’artista, infatti, la possibilità di esporre nella galleria con una personale, dal 5 al 15 Luglio 2018.

La mostra sarà supportata dalla Prince Art Gallery, la galleria e casa d’aste che ha assegnato il premio e dal suo presidente Armando Principe e avrà il contributo del critico d’arte Federico Caloi, artefice della recensione critica che accompagna il percorso espositivo dell’artista.

Il vernissage della mostra è previsto per domani 5 luglio alle ore 19.00.

Armando Montella - mostra
Armando Montella – mostra

Armando Montella ed il mare, un rapporto speciale che premia

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C’è un rapporto privilegiato tra il mare ed Armando Montella. Un legame che nasce dall’infanzia dei luoghi natii, quella degli scenari incantati e senza tempo della costiera amalfitana, e che si rafforza nella riflessione  universale e nostalgica delle onde, metafora della vita che scorre. Nelle sue fotografie non c’è solo un’immagine colta in un particolare istante, che ne suggella il momento, c’è anima, essenza, sostanza plasmata nella fissità della realtà e dei tagli, a volte quasi evanescenti, della luce e del colore. Tramonti, paesaggi, orizzonti, distese placide e onde impetuose, tutto è consegnato all’obiettivo dell’artista in una pluriennale esperienza, confluita anche in un lavoro editoriale titolato “Sussurri. Voci e suggestioni del mare”.

È proprio questo speciale rapporto col mare ed il suo  paesaggio che vince su tutto e che lo porta a vivere una grande esperienza artistica nella capitale italiana dell’arte e della moda, Milano. In seguito infatti all’assegnazione del premio Prince Art Gallery, ricevuto alla prima edizione della Biennale del Tirreno di Cava de Tirreni, da poco conclusasi, l’artista dal 5 al 15 Luglio è in esposizione alla prestigiosa Alson Gallery di Milano.

Il Presidente della Prince Art Gallery, Armando Principe, si è lasciato agitare dal potente fascino del mare catturato dagli scatti di Montella, capace di muovere sentimenti ed emozioni, decretandone così la scelta tra i tanti artisti in concorso e portandolo in mostra in un’importante piazza come la città meneghina. Ed qui quindi che è possibile incontrare questo mondo, i paesaggi, il mare, i rumori ed i silenzi dell’artista che diventano esperienze universali di chi si pone dinanzi alle sue opere, le osserva e le vive.

Una mostra fotografica che è mostra dell’anima.

Armando Montella alla Alson Gallery di Milano

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Dal 5 al 15 Luglio 2018, Armando Montella, artista vincitore del premio Prince Art Gallery della Biennale del Tirreno, tenutasi a Cava de Tirreni, a Salerno, nel mese di Giugno, porterà la sua arte nella prestigiosa Alson Gallery di Milano. Selezionato dal presidente della Prince Art Gallery – Armando Principe – tra gli oltre 150 artisti che hanno partecipato all’evento con diverse opere in tutte le categorie dell’arte, Montella ha affascinato per la qualità del suo fare artistico affidato all’obiettivo della macchina fotografica.

“…non è l’innovazione tecnica a dare prova di sé nella sperimentazione artistica ma è la capacità di un soggetto di diventare finalmente un vero e proprio concetto di vita, a stupire ed emozionare…” queste le belle parole che Armando Principe ha rivolto all’artista per descrivere tutta la propria ammirazione nei confronti della sua arte.

Montella è originario di Cava de Tirreni. La sua passione per la fotografia viene da lontano, da quando per la prima volta gli venne regalata una Polaroid, ancora bambino. Perfezionatosi nel tempo con maestri della fotografia, ha rivolto il suo talento soprattutto ai paesaggi della sua terra, in particolare della Costiera Amalfitana.

Le sue fotografie sanno destare i moti dell’animo: le atmosfere pallide a volte quasi evanescenti come immagini da sogno, gli scorci, la ricorrente tematica del mare, i bianchi e neri spesso interrotti da sfumature di colore introducono in un mondo di emozioni e di un’introspezione quasi involontaria.  Questo lo scenario d’arte che si aprirà al pubblico nei 10 giorni di esposizione alla Alson, dove non solo l’artista troverà un ambiente dalla portata internazionale che coniuga passato e moderno, ma verrà anche supportato dalla Prince Art Gallery ed accompagnato da una recensione critica del critico d’arte Federico Caloi. All’arte di Montella fa omaggio anche IconArt Magazine, che riserva all’artista uno spazio esclusivo sul prossimo numero della rivista, che raggiunge oltre 25.000collezionisti facenti parte della rete di Prince Art Gallery.

Armando Montella -_Silenzi senza tempo_ - foto digitale - 2015
Armando Montella -“Silenzi senza tempo” – foto digitale – 2015

Gemme e pietre preziose, materie “plastiche” dell’arte

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Oggi come oggi, l’arte si è allargata all’uso di qualsiasi materiale… Materiali poveri si nobilitano uscendo dal loro contesto e dalla loro destinazione d’uso e materiali ricchi si calano sulla tela o sulla pietra vestendo di nuovo valore l’opera. Tutto è una questione di stile e d espressione creativa dell’artista. Per esempio, c’è chi ha fatto delle pietre preziose un elemento distintivo della propria arte, puntando sulle qualità intrinseche della materia o sul gioco dei significati o ancora sulla scoperta di culture. Artisti differenti  che hanno la preziosità della materia in comune, in cui hanno intrappolato la pluralità dei loro messaggi.

Suzan Drummen è un’artista visuale olandese. Le sue opere sono caleidoscopiche installazioni su pavimento o parietali, che nascono da una ripetizione di forme geometriche, specie circolari, che rimandano a rappresentazioni di mandala. Effetti di luce, fenomeni visivi, illusioni ottiche e cromatiche sono le esperienze percettive da cui lo spettatore viene investito dinanzi una sua opera. Tutto si genera dall’uso di pietre preziose, specchi, metallo cromato, cristalli e vetri ottici che l’artista dispone in una geometria perfetta ed armonica , frutto dell’improvvisazione e dell’ispirazione dei luoghi. L’artista infatti crea senza  un disegno preliminare ma si fa guidare dagli spazi e dalle atmosfere, diventando anche la luce e il colore, materia plasmata attraverso le mille sfaccettature delle pietre.

Suzan Drummen - installazione [foto-profilo facebook Suzan Drummen]
Suzan Drummen – installazione [foto-profilo facebook Suzan Drummen]
Paul Koudounaris è un critico d’arte e famoso fotografo di Los Angeles che ha legato la sua persona alla fama di massimo esperto di arte macabra. Affascinato dall’usanza delle reliquie sia nei riti religiosi che come ornamento sacro, l’artista ha girato il mondo immortalando ossari e tombe, tanto da essere soprannominato “Indiana Bones” (“bones” significa “ossa” in inglese). Tra questi spiccano teschi variamente ornati e decorati con gemme e gioielli. Una vera e propria documentazione dell’esorcizzazione della morte nella cultura cristiana e del messaggio di preziosità e bellezza legata alla vita ultraterrena.

Paul Koudounaris - [foto-sito empiredelamort.com]
Paul Koudounaris – [foto-sito empiredelamort.com]
Damien Hirst è un celebre artista britannico la cui arte è incentrata sul tema della morte, stavolta però spettacolarizzata nella sua crudezza per spingere il fruitore a riflettere sulla caducità della vita. Anche questo artista si è affidato al valore dei preziosi e ha firmato una delle sue opere più famose – “For The Love of God” – con la purezza del diamante. Si tratta di un teschio umano in platino, a grandezza reale e con denti veri, nel quale sono stati incastonati circa 8601 diamanti a ricoprire tutta la superficie ed  uno più grande posto al centro, sulla fronte, da 52,4 carati. L’opera costata intorno ai 12 – 14 milioni di sterline, è stimata 50 milioni di sterline, la cifra più alta in assoluto per un’opera contemporanea.

Damien Hirst - For The Love of God-
Damien Hirst – “For The Love of God”

Cos’è la Digital Art

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Si sente tanto parlare di digital art, ma sappiamo realmente cosa è? Di sicuro siamo a conoscenza che un digital artist ha come “pennello” il suo computer. Sì, perché la digital art genera opere elaborando le immagini in digitale. Può attingere a diversi campi dell’arte, partire da una foto o completamente da zero usando lo schermo del pc come una tela, ma soprattutto può interagire con ambienti diversi, spingersi fino    a simulazioni di realtà virtuale, inglobare movimenti e suoni.

Una nuova rivoluzione nell’arte

La digital art muove i suoi passi negli anni ’50 anche se possiamo dire che è dagli ‘80 in poi che si diffonde maggiormente. Nasce dalla sperimentazione di due matematici e programmatori, l’americano Ben Laposky ed il tedesco Manfred Frank, amanti dell’arte, che rielaborano concetti attinti dal costruttivismo e dal razionalismo della Bauhaus. Passa per l’Optical Art e la sua indagine sull’illusione bidimensionale e per la Mail art degli anni ‘60/’70 che univa utenti da tutto il mondo in una rete  di legami virtuali mediati dall’invio di mail. Giunge poi alla Pixel art degli anni ’80 e da lì, le sue tante evoluzioni e sperimentazioni.

Per quanto sia un’arte che permette di esplorare nuovi orizzonti di percezione e di visione, la digital art è ancora spesso sottovalutata come arte, forse perché la “tecnica” del computer la rende riduttiva – nell’immaginario comune –  rispetto all’arte del passato. In realtà ciò che manca forse è l’apertura ad una nuova coscienza del mezzo e ai cambiamenti in atto, riguardo i nuovi scenari che si aprono ai nostri occhi. E’ un’altra rivoluzione nel campo dell’arte dove  sia l’artista che il fruitore devono interiorizzare una nuova ideologia della realtà aumentata e virtuale, i primi imparando ad usarla come strumento, materia, i secondi a viverla come nuova riflessione critica.

Il LACDA, Los Angeles Center for Digital Art

Se in Italia l’apertura verso queste innovazioni artistiche sta passando, al momento, per una forma di riconoscimento della street art, dedicandole un museo a cielo aperto a Roma, il M.U.Ro. Museo Urban, c’è da dire che oltreoceano la sensibilità all’esplorazione critica dei nuovi orizzonti dell’arte è molto più spiccata. A Los Angeles infatti c’è il LACDA, Los Angeles Center for Digital Art, che è strettamente dedicato alla diffusione di ogni espressione di arte digitale: dalla video arte alla scultura digitale, alla net art, all’interattività, a tutte quelle forme che uniscono la tecnologia all’arte e che fanno ormai parte del contemporaneo. Questa galleria è un luogo dove i digital artists possono esporre le proprie opere e promuoverle proprio come tutti gli altri artisti.  E’ un punto di riferimento sia per artisti nazionali che internazionali di digital art.

E nella speranza che anche in Europa e in Italia si riesca presto ad appropriarsi di una simile cultura, vi lasciamo con qualche immagine, carica d’ispirazione e talento artistico, che non si può non riconoscere…