Arte

Due Kandinsky all’asta “rispolverati” dopo 70 e 50 anni…

Maggio 25, 2021 by Lascia un commento

Il prossimo giugno Kandinsky sarà protagonista d’eccellenza di ben due aste con altrettante opere rimaste nell’oblio per 50 e 70 anni. Si tratta dell’acquerello “Gebogene Spitzen” datato 1927 e della tela “Tensions calmées” datata 1937; il primo sarà messo all’asta da una casa d’aste tedesca, la Ketterer Kunst a Monaco di Baviera, il 18 giugno 2021, mentre la seconda sarà fiore all’occhiello di Sotheby’s a Londra nella battuta d’asta del 29 giugno.

“Gebogene Spitzen” è un acquerello di notevole importanza nella produzione di Kandinsky, che concentra linee, forme e colori tipici dell’astrattismo dell’artista e di cui non si è avuta traccia per parecchio tempo (circa 70 anni), incoraggiando la ricerca di diversi studiosi. Appartenente ad una collezione privata della Renania, dalla documentazione si sa che dopo la sua realizzazione il dipinto è stato in mano a Kandinsky stesso venendo esposto in musei di Parigi, Berlino e Stoccolma fino al 1932. Alla morte dell’artista la moglie cedette l’opera vendendola al mercante d’arte tedesco Rudolf Probst nel 1949, data che segna l’ultima registrazione dell’opera fino ad oggi. Attualmente la stima si aggira tra i 304.000 – 425.000 dollari. Prima di andare all’incanto sarà esposta al pubblico in un tour che partirà dal 28 maggio a Francoforte per passare poi a Düsseldorf, Amburgo e Berlino.

“Tensions calmées” è una tela rappresentativa dell’arte di Kandinsky capace di sintetizzare la sua sinestetica concezione di pittura e musica attraverso un’armonica coesistenza di linee e forme nello spazio leggere e in equilibrio. Rientrava nella collezione del magnate americano Solomon R. Guggenheim che iniziò a collezionare Kandinsky dal 1929, anno in cui incontrò l’artista alla Bauhaus dove questi insegnava, arrivando ad avere circa 150 opere dell’autore. Il dipinto fu poi messo all’asta da Sotheby’s nel 1964 su richiesta dello stesso Guggenheim che mise in vendere una cinquantina di tele di Kandinsky. Così per più di 50 anni l’opera è rimasta lontana dal pubblico, di proprietà del nuovo collezionista che l’aveva acquistata. La stima dell’opera si aggira sui 25-35 milioni di dollari.

Pronti a rivedere la bellezza del commesso marmoreo del pavimento del Duomo di Siena!

Maggio 20, 2021 by Lascia un commento

Quest’estate si potrà ritornare a vedere l’incredibile pavimento del Duomo di Siena, un’opera davvero eccezionale, che primeggia tra i capolavori custoditi all’interno della cattedrale e che Vasari descriveva come il “più bello…, grande e magnifico pavimento che mai fusse stato fatto”.

La spettacolarità di questo “tappeto di marmo” realizzato attraverso secoli di storia dell’arte, dal Trecento all’Ottocento, da artisti prettamente senesi come Sassetta e Beccafumi ma anche dal pittore umbro Pinturicchio, potrà essere visibile al pubblico dal 26 giugno al 31 luglio e poi dal 18 agosto al 17 ottobre 2021 attraverso un percorso studiato per fruire al meglio dell’opera sia nei significati che reca sia nel rispetto e sicurezza delle regole anti-covid.

Difatti il pavimento è tutto un apparato decorativo in commesso marmoreo, spettacolare non solo per la tecnica delle tarsie a marmi policromi e pietre dure giustamente accostate a ricreare forme e figure con cui è stato realizzato ma anche per l’altezza del messaggio che veicola nei secoli. È un invito a guardare alla sapienza attraverso lo scorrere di figure che incarnano questa virtù partendo dalle sibille e filosofi del mondo antico riprodotti nelle navate fino ai soggetti biblici presenti nel presbiterio e nel transetto.

Il cammino è poi regolato dall’app gratuita The right distance in ausilio al programma di sicurezza e rispetto delle norme anti-covid e l’installazione della membrana Culture, ossia una pellicola protettiva con proprietà sia antivirali che antibatteriche con una validità certificata di 3 anni.

Il percorso comprende nella visita anche il Museo dell’Opera con la sua galleria dove spicca la Maestà di Duccio di Buoninsegna e le sue sale, tra cui la Sala dei Cartoni in cui è conservata la famosa pianta del Pavimento del Duomo realizzata da Giovanni Paciarelli nel 1884 che dà una visione completa dell’iconografia del pavimento dall’ingresso fino all’altare maggiore.

Oltre 100milioni di dollari per un Picasso nell’asta di maggio di Christie’s

Maggio 14, 2021 by Lascia un commento

Altra asta da record per Christie’s di New York, che lo scorso 11 maggio 2021, ha battuto e venduto un Picasso per una cifra che supera quasi il doppio della stima di partenza di 55 milioni di dollari! Si tratta di “Donna seduta vicino a una finestra (Marie-Thérèse)”, una tela di 1,46 x 1,14 m., datata 1932, che è stata venduta a 103,4 milioni di dollari dopo una battaglia di rilanci tra i collezionisti durata più di 19 minuti e che ha portato l’opera ad una maxi vendita del genere che non avveniva da due anni. Infatti l’ultima opera venduta a più di 100milioni di dollari risale al 2019: un dipinto appartenente alla serie “I covoni” di Claude Monet, battuto da Sotheby’s a New York, che fece schizzare l’asta tra le più costose di sempre.

Donna seduta vicino a una finestra (Marie-Thérèse)” risale al soggiorno francese del pittore, durante il quale il maestro cubista, allora quarantacinquenne e spostato con la ballerina Ol’ga Chochlova, intraprese una relazione con una modella francese di soli 17 anni, Marie-Thérèse Walter. La donna del quadro è proprio l’amante e musa 17enne che ha anche ispirato diverse altre opere dell’artista spagnolo. Qui la donna è rappresentata seduta accanto alla finestra in una statuarietà della posa che assume la sensualità del movimento nelle gambe accavallate e del rosso fuoco nel torso e la plasticità della scultura nella testa.

Il dipinto all’asta inoltre assume ancora più valore se si pensa che era stato venduto solo 8 anni fa per una cifra di 44,8 milioni di dollari…

Dante in un “prezioso” progetto firmato Cleto Munari e Mimmo Paladino

Maggio 13, 2021 by Lascia un commento

Cosa accomuna Cleto Munari, Mimmo Paladino e Dante Alighieri? Un progetto! Un progetto che è una vera opera d’arte realizzata dal famoso designer veneto presente nei maggiori musei newyorkesi, disegnata dal principale artista della Transavanguardia italiana e ispirata al Sommo Poeta, su richiesta degli ultimi discendenti di Dante per omaggiare il loro avo nel 700entenario della sua morte.

L’idea si è concretizzata nella creazione di un gioiello prezioso per il quale ci sono voluti due anni di lavoro e collaborazione tra due artisti e amici. Una serie di schizzi e bozzetti di Paladino, lavorati poi da Munari su un progetto grafico che unisce il profilo iconico di Dante al cielo stellato e ai cerchi concentrici delle sfere dell’universo, concepito sulle parole del famoso ultimo verso dell’Inferno della Commedia, da cui gli artisti si sono fatti ispirare: “E quindi uscimmo a riveder le stelle”.

N’è uscito un gioiello unico, una spilla preziosa, dal grande valore culturale e artistico. Infatti questi tre elementi che ne costruiscono l’iconografia portano con loro un messaggio ben preciso: il volto di Dante che guarda le stelle, contemplando Dio, rimarca i significati del viaggio della Commedia, intesi come cammino verso la conoscenza e la salvezza; il cielo stellato è il ritorno della speranza per mezzo della luce che rischiara le tenebre; i fili concentrici dell’universo sono l’abbraccio di Dio che porta a sé tutte le cose, anche l’uomo che si ravvede dal peccato. A questi significati si unisce la preziosità del manufatto realizzato in oro 18K per quanto riguarda il volto e i fili, smalto blu cobalto e brillanti per il cielo stellato.

La pregiata spilla del progetto denominato “Dante ‘prezioso’ 1321-2021” è visibile in anteprima su “Stanza di Dante”, uno spazio virtuale concepito dal direttore dell’Istituto Italiano di Cultura a New York e pensato durante il lockdown per riunire gli Italiani nel mondo attorno a notizie, progetti e quanto altro riguardanti arte, musica e letteratura. Oltre alla possibilità di osservare il gioiello, le Stanze accolgono anche una video intervista agli autori, testi di approfondimento da leggere e le immagini dei bozzetti da sfogliare.

Mondo dell’arte in fibrillazione: quale sarà la sorte della collezione Gates, post separazione? Tra le opere anche il “Codice Leicester” di Leonardo

Maggio 7, 2021 by Lascia un commento

Se è vero che un divorzio è una questione privata, quando si tratta di personaggi come Bill e Melinda Gates imprenditori e filantropi a capo di una fondazione considerata la più importante al mondo, ad essere interessate diventano inevitabilmente più persone, tra cui il mondo dei galleristi e delle case d’asta.

La famiglia Gates negli anni ha infatti accumulato un patrimonio inestimabile che secondo le leggi americane dovrà essere diviso in parti uguali tra i due coniugi muovendo dal presupposto che il successo dell’uno è anche dovuto al contributo dell’altro. Ma, come risaputo, i divorzi tra ricchi collezionisti spesso finiscono in vere e proprie guerre che non hanno mai fine come nel caso di Harry e Linda Maklowe, proprietari di un patrimonio di opere d’arte del valore di 700 milioni di dollari, tra cui 9 Picasso, per i quali dopo anni di mancato accordo sul valore dei singoli prezzi è stata la giudice a sentenziare, tre anni fa, la messa sul mercato delle opere.

Come ha sottolineato “The Art Newspaper” a influenzare i mercati dell’arte sono le famose “tre D”, “death, debt e divorce“, cioè morte, debiti e divorzi e quello dei coniugi Gates ha tutte le carte in tavola per essere un divorzio da mettere in fibrillazione galleristi e case d’asta.

La collezione Gates infatti raccoglie buona parte di opere d’arte americana dell’800 e dei primi del ‘900 come un dipinto di Winslow Homer, artista che ha influenzato i pittori realisti nordamericani, comprato nel 1998 per 36 milioni di dollari; “Room of Flowers” del pittore impressionista Childe Hassam per altri 20 milioni, “The Nursery” di William Merritt Chase e “Polo Crowd” di George Bellows. Non solo… Ad impinguare l’imponente biblioteca di casa Gates, oltre a diversi libri rari e preziosi, c’è anche il “Codice Leicester” di Leonardo Da Vinci. Un trattato di 72 pagine manoscritte e illustrate dal genio rinascimentale di Leonardo, comprate per 30 milioni di dollari, nel 1994 da Christie’s.

E se è vero che sembra che i due abbiano firmato un accordo di separazione che possa evitare lunghe battaglie, di certo è ancora presto per sapere della sorte del Codice come delle altre opere della collezione.

Un tesoro dimenticato nei sotterranei del Maschio Angioino

Maggio 6, 2021 by Lascia un commento

Un tesoro di oltre 400 opere d’arte, distinte tra dipinti, statue e antichità che coprono un periodo storico che va dal Quattrocento al Novecento. Un patrimonio artistico sepolto – o per meglio dire dimenticato nel tempo – del Maschio Angioino a Napoli, da poco venuto alla luce e in modo praticamente fortuito.

Infatti sembra che siano stati gli interventi di supervisione nei sotterranei del Maschio Angioino effettuati in seguito alle brutte ondate di maltempo che hanno colpito Napoli lo scorso dicembre a far emergere questo autentico tesoro nascosto. Durante i sopralluoghi nei locali situati al di sotto del piano di calpestio del cortile sono stati notati dei vecchi depositi in cui erano stipate le opere, abbandonate da decenni e ridotte in condizioni malconce a causa soprattutto dell’umidità del luogo.

Tra le opere anche pezzi di notevole interesse artistico come l’enorme tela seicentesca “Madonna del Rosario e Santi Domenicani” di Luca Giordano o dipinti di De Mura, De Matteis, Bonito e altri valenti autori di scuola napoletana. L’ipotesi è che si tratti dei beni appartenuti agli enti soppressi IPAB, gli istituti ecclesiastici per l’Assistenza e la Beneficenza passati sotto la giurisdizione del comune e, in seguito ai danni del terremoto dell’80, trasferiti in varie sedi diverse, tra cui anche il Maschio Angioino. Pertanto si pensa che le opere ritrovate siano proprio quelle depositate qui in quell’occasione.

Gli interventi a quanto pare interesseranno la messa in sicurezza e la catalogazione delle opere, la loro valutazione da parte di una commissione tecnica appositamente incaricata e la restaurazione in primis della grande tela del Giordano e di un’altra grande opera da selezionare tra quelle di maggior valore e poi delle opere più pregevoli presenti.

“La Maddalena. Caravaggio e Canova”, la mostra di due grandi maestri a confronto

Maggio 4, 2021 by Lascia un commento

Sulla scia degli eventi che attendono alle celebrazioni dei 200 anni dalla morte di Antonio Canova – che ricadono nel 2022 – nel Museo Gypsotheca Antonio Canova di Possagno, paese natale dello stimato scultore neoclassico, una mostra incornicia l’arte di quest’ultimo in un singolare dialogo con il grande maestro barocco, Caravaggio, sotto il segno di un comune soggetto più volte toccato da entrambi.

Si tratta della Maddalena, personaggio tra i più complessi e discussi del Vangelo ma anche tra più affascinanti per artisti e committenti, che viene indagato nelle due diverse interpretazioni all’interno della mostra “La Maddalena. Caravaggio e Canova”. Presente alla gipsoteca da maggio fino a novembre 2021 (01/04/21 – 21/11/21), l’esposizione, organizzata con la curatela di Sgarbi, si realizza attorno a dipinti, calchi in gesso, sculture e bozzetti ritraenti la Maddalena, eseguiti dai due maestri, concentrando la propria essenza nel confronto di due opere in particolare: la tela «Maria Maddalena in estasi» di Caravaggio, del 1606, eccezionalmente in prestito da una collezione privata inglese e il gesso di «La Maddalena giacente» di Canova, opera del 1819 andata perduta.

Benché appartenenti a due epoche differenti, a due stili diversi, a due modi di concepire la bellezza lontani l’uno dall’altro, le rappresentazioni di queste due Maddalena sembrano accorciare le distanze, creare una serie di rimandi che sembrano quasi poterne tracciare una sorta di continuità concettuale. La testa reclinata all’indietro in entrambe le pose, lo sguardo estatico, la bocca leggermente aperta, gli occhi socchiusi, le pieghe dei panneggi, simili nell’una e nell’altra opera sembrano poter rappresentare quella sorta di trait d’union tra le visioni di questi due grandi geni del passato.

Storie dell’arte: l’artista Édouard Manet in 5 punti

Aprile 30, 2021 by Lascia un commento

Oggi si ricorda l’artista Édouard Manet, pittore francese di fama mondiale morto di sifilide il 30 aprile 1883. Raffinato e rivoluzionario, d’impronta impressionista, Manet in realtà si è sempre considerato lontano dalla cerchia degli Impressionisti. Ripercorriamo in breve vita e carriera…

Appassionato d’arte fin da piccolo, Manet viene dapprima ostacolato dai genitori nel seguire gli studi di pittura per poi riuscire a convincerli e andare a bottega dal pittore Thomas Couture. Ben presto abbandona l’atelier per incompatibilità di stile con il maestro, da lui considerato troppo accademico.
Viaggia in Olanda, Italia, Austria e Germania rimanendo affascinato dagli stili di Giorgione, Tiziano, Velazquez, Goya e i pittori olandesi del 600, ma facendosi anche influenzare dalla cultura orientale, in particolare dall’arte delle stampe giapponesi.
Studia poi all’Accademie, dove conosce artisti e letterati importanti, mentre l’amicizia con la pittrice Berthe Morisot, sua musa ispiratrice e modella, lo porta a frequentare gli artisti impressionisti, con i quali però non esporrà mai e dai quali si distingue nello stile per l’uso del nero.
Grazie ad una cospicua eredità alla morte del padre, conduce una vita agiata dedicandosi alla realizzazione delle sue opere divenute più famose, tra cui “Le déjeuner sur l’herbe”, giudicata scandalosa e fonte di numerose polemiche. Stessa sorte per l’ “Olympia”, dipinto esposto al Salon del 1865. Fu l’amico e scrittore Emile Zola a difenderlo dalle critiche mosse al quadro.
Dal 1881 comincia ad ottenere i primi riconoscimenti dal suo paese, ma nel 1883 in seguito all’aggravarsi delle sue condizioni di salute dopo aver contratto la sifilide e subito l’amputazione del piede sinistro, muore dopo una lunga agonia all’età di 51 anni.

Due opere di Basquiat alle aste di maggio di Sotheby’s e Christie’s. È scontro di vendite da record!

Aprile 29, 2021 by Lascia un commento

Grande attesa e impazienza per le aste di Sotheby’s e Christie’s di maggio a New York dove, a rubare decisamente la scena, saranno due grandi opere di Basquiat: “In Any Case” e “Versus Medici”. Se già da tempo infatti Sotheby’s aveva annunciato per la battuta d’asta del 12 maggio 2021 la presenza di “Versus Medici” per una stima importante che va dai 35 e ai 50 milioni di dollari, ora anche Christie’s per l’asta dell’ 11 maggio espone il titolo della monumentale “In Any Case” stimata 50 milioni di dollari. Protagoniste e rivali, le due tele del writer e pittore statunitense dal sempre più crescente interesse da parte dei collezionisti, si sfideranno nella corsa al record d’asta.

“In Any Case” è un dipinto di circa 2 metri per 2 che appartiene alla serie dei teschi di larga scala realizzati da Basquiat tra il 1981 e il 1983. L’opera è un omaggio a Michael Stewart, un artista e writer americano brutalmente ucciso dalla polizia, raffigurante un teschio distorto e scomposto, dai tratti vicini all’arte primitiva e alle influenze cubiste, immerso in un fondo rosso, da cui spicca in particolare l’occhio che punta dritto verso lo spettatore. Appartenuto per ben 14 anni al collezionista italiano Giancarlo Giammetti, co-fondatore del marchio Valentino, il dipinto prima di finire all’asta da Christie’s è stato dato in prestito alla Fondation Louis Vuitton di Parigi per una mostra dedicata all’artista, e andrà in giro per il mondo, con tappa d’obbligo a Hong Kong, capitale orientale dell’arte contemporanea.

“Versus Medici” è un dipinto di grandi dimensioni realizzato da Basquiat negli stessi anni dell’altra imponente opera “Untitled” venduta nel 2018 a un miliardario giapponese per l’incredibile cifra di 110,5 milioni di dollari. L’opera rappresenta una sorta di uomo vitruviano rinascimentale in chiave contemporanea, dove evidenti sono gli organi interni e i riferimenti a medici ed infermieri, elementi spesso ricorrenti nelle sue opere specie in seguito ad un’operazione subita dopo un incidente.

A Bologna una mostra percorre l’evoluzione del disegno inteso come linguaggio vivo e attuale

Aprile 28, 2021 by Lascia un commento

In concomitanza della Giornata Mondiale del Disegno, celebrata ieri 27 aprile, ha aperto al pubblico la mostra “141 – Un secolo di disegno in Italia” che, sulla scia dei significati di rinnovata dignità per il disegno, prima forma d’arte e di comunicazione, rafforzati da questa ricorrenza, passa in rassegna l’evoluzione di questa tecnica antica mettendone in evidenza la realtà di linguaggio vivo e attuale.

È un’antologica allestita nella sale di Palazzo Poltroni a Bologna che attraverso le opere su carta di 141 artisti appartenenti ai principali movimenti del Novecento italiano indaga le trasformazioni del segno grafico in cento anni di storia e sperimentazioni d’arte.

L’esposizione parte da un disegno di Umberto Boccioni del 1905 fino ad arrivare alle rappresentazioni contemporanee, passando per le straordinarie evoluzioni studiate e impresse dai maggiori esponenti delle diverse correnti quali il Futurismo, la Metafisica, l’Informale, la Pop Art, l’Arte povera e concettuale, fino alle produzioni attuali nei campi della pittura, scultura, perfomance, tutto sotto il comune denominatore della traccia grafica.

La mostra è stata resa possibile grazie ad una serie di collaborazioni allacciate tra archivi, gallerie, collezionisti privati e artisti. È visitabile fino al 24 giugno 2021, con ingressi gratuiti ma su prenotazione, contingentati secondo un numero di 7 persone ogni mezz’ora nel rispetto delle norme anticovid.