Scultura

La rivoluzione artistica e culturale del Qatar in vista dei mondiali di calcio 2022

Gennaio 18, 2022 by Lascia un commento

Il Qatar è il paese che ospiterà i mondiali di calcio che si svolgeranno quest’anno. In concomitanza dell’evento è stato avviato già dal luglio 2021 un complesso programma di arte contemporanea pubblica che porterà opere di artisti nazionali ed internazionali nelle aree pubbliche della nazione, tra parchi, centri commerciali, strutture educative e sportive, l’Hamad International Airport e gli stadi coinvolti nei giochi della coppa del mondo.

Il programma include anche la nascita di nuove istituzioni culturali e musei come il 3-2-1 Qatar Olympic e Sports Museum che vuole essere un sofisticato luogo culto dello sport e della cultura sportiva ma anche un’area coinvolgente per mezzo dell’installazione di mostre interattive e attività che mirano alla partecipazione.

Una vera rivoluzione culturale attuata per mezzo della sorella dell’Emiro, la sheikha Al Mayassa bint Hamad bin Khalifa Al Thani, donna dalla cultura cosmopolita, che ha studiato negli USA e a Parigi, presidente dei musei del Qatar e collezionista influente, la quale pare disponga di un budget annuale di un miliardo di dollari da investire nei musei del paese e sia stata fautrice di acquisizioni milionarie come “I giocatori di carte” di Cezanne da 250 milioni di dollari e “Nafea faa ipoipo” di Gauguin da 300 milioni di dollari.

Grazie alla sua visione allargata dell’arte, per la quale un museo non è solo un luogo di mostre e collezioni ma un posto in cui coinvolgere, far nascere e nutrire l’esperienza estetica in chi lo visita, la sheikha ha portato il Qatar ad essere uno dei paesi capofila dell’area del Golfo nella realizzazione di un programma completo di arte pubblica contemporanea. Con le prime installazioni della scultura monumentale “Falcon” di Tom Claassen fuori all’aeroporto di Hamad, “Untitled (Trench, Shafts, Pit, Tunnel and Chamber)” dell’americano Bruce Nauman dinanzi al centro di innovazione e imprenditorialità nel design, moda e tech M7 a Msheireb Downtown Doha e “Two Orchids” di Isa Genzken fuori al Teatro Nazionale, ha avviato il processo di arte intesa come parte integrante della vita quotidiana che continua tuttora. Fino all’inizio del campionato sono previste altre 40 opere di artisti nazionali ed internazionali da installare in tutta la città di Doha e iniziative che coinvolgano gli artisti contemporanei e i visitatori che arriveranno nel paese.

Restituzioni di valore: l’Italia “rimpatria” beni, trafugati, da oltre 10 milioni di euro

Gennaio 13, 2022 by Lascia un commento

In quest’ultimo anno appena trascorso l’Italia ha visto il rimpatrio di molti reparti archeologici restituiti dagli USA e da paesi dell’Unione Europea. Un’operazione, questa, di una certa ingenza, celebrata con una conferenza stampa a fine dicembre 2021, durante la quale il Ministro della Cultura Franceschini ha ribadito il suo impegno nel ricondurre in patria i beni che originariamente ad essa appartengono. È uno dei punti trattati nell’articolo 2.3 della Dichiarazione di Roma del G-20 della Cultura, in cui viene dichiarato che, in paesi membri che come l’Italia hanno una grande tradizione storica e artistica, i traffici illeciti di beni culturali sono un vero e proprio danno dato che portano alla perdita di beni insostituibili “preziose fonti di significato, identità, conoscenza, resilienza e benefici economici”.

Dichiarazione che fa ben sperare in altri successi del genere per il futuro, per il momento però i risultati ottenuti sono frutto di anni o forse decenni di indagini e confische. Difatti dagli Stati Uniti sono ritornati 201 pezzi archeologici di pregio dal valore complessivo di 10 milioni di euro rinvenuti nello stato di New York dove erano stati venduti da trafficanti a gallerie, case d’asta e collezionisti privati. Di questi 201 reperti, 40 resteranno in mostra fino a marzo 2022 presso il Consolato Centrale d’Italia a New York e il resto sarà custodito nei depositi dei vari TPC (Tutela Patrimonio Culturale).

Da paesi europei come la Germania, l’Olanda, la Svizzera e, in particolare, il Belgio sono rientrati invece importanti reperti della civiltà daunia – antica popolazione dell’Età del Ferro stanziatasi nelle terre tra Foggia e il Gargano – che erano stati scavati illegalmente in terra pugliese e lucana e poi trafficati all’estero.

Dal Belgio sono stati restituiti circa 782 pezzi ora in esposizione al Castello Svevo di Bari.

Nuove frontiere dell’arte: i brick artists!

Gennaio 10, 2022 by Lascia un commento

Ci sono tanti modi di fare arte. Creatività ed innovazione non hanno limite e ad oggi sia la tecnologia che gli ampli mezzi che si hanno a disposizione incentivano ulteriormente la genialità degli artisti. Così se è vero che i famosi mattoncini colorati, compagni di tanti avventure da bambini, hanno onorato i maestri della storia dell’arte con edizioni speciali che ne riproducono le opere più famose in formato “Lego”, diversi sono gli artisti, i famosi brick artists, che a quei mattoncini si sono ispirati per dare vita alle loro opere d’arte come rivisitazione di grandi capolavori.

Qualche esempio?

L’artista coreano Lee Ki-young specializzato in grafica e motion design che con l’arte dei “mattoncini” ricrea personaggi famosi, scene di film e opere d’arte. Tra le sue riproduzioni artistiche “La creazione di Adamo” di Michelangelo, “La colazione dei canottieri” di Renoir, “La lattaia” di Vermeer e anche “L’ultima cena” di Leonardo o “La morte di Marat” di Jacques-Louis David… solo per citarne qualcuna!

Lo statunitense Nathan Sawaya invece con i mattoncini colorati ci fa grandi sculture che seguono sia la sua personale vena artistica sia l’immagine di grandi capolavori dell’antichità e michelangioleschi. La sua passione proviene dall’infanzia ma diventa lavoro solo dopo che ne fa un vero e proprio hobby che genera interesse e commissioni, tanto da lasciare la professione di avvocato e diventare brick artist con tanto di mostre ed esposizioni in gallerie. Tra le sue opere rivisitate “Il David” di Michelangelo e “La Venere di Milo”.

Anche in Italia non mancano i brick artists. Uno dei primi è stato il torinese Marco Pece detto Udronotto, il quale crea parodie di quadri famosi, fotografie storiche e scene di film come installazioni temporanee che si affermano come opere d’arte nelle immagini degli scatti fotografici che immortalano la rappresentazione. I suoi “omaggi” vanno da Edward Hopper a Mondrian, a Pellizza da Volpedo.

Sconvolgente anche l’attività di Riccardo Zangelmi che da giardiniere è passato a creatore di composizioni in mattoncini tridimensionali e a tutto tondo straordinari e anche lui si è lasciato incantare dal fascino della storia dell’arte, più contemporanea, con omaggi sia a Keith Haring che a Banksy. Le sue opere sono attualmente in esposizione a Modena nella Chiesa di San Carlo all’interno della mostra “Brick Art” visitabile fino al 14 febbraio 2022. Un’occasione per vedere da vicino questo incredibile nuovo universo dell’arte!

La Genesi secondo Giovà

Novembre 29, 2021 by Lascia un commento

[…] «Mi è sempre sembrato e mi sembra tuttora che la Bibbia sia la principale fonte di poesia di tutti i tempi. Per me, come per tutti i pittori dell’Occidente, essa è stata l’alfabeto colorato in cui ho intinto i miei pennelli». Ecco, il colore. La creazione del mondo e dell’uomo viene riassunta in tutta la sua esplosiva cromaticità.

Una esposizione simile l’ha concettualizzata e addensata Giovanni Cancellaro, in arte Giovà, maestro d’arte in quel di Padula, terra di pietra bianca e storia millenaria. Scultore, pittore, designer, lavora la materia con l’impasto della Storia e della religione, umano e divino. A dicembre è esposta un’opera dalle misure bibliche, in occasione del Premio Icon Art 2021 alla Stazione marittima di Salerno. Divenuto polo culturale, la famosa conchiglia ospiterà la Genesi di Giovà. Il creativo padulese, oltre a portare la sua opera “Il primo ciak” – un televisore svuotato, trafitto da bobine e obiettivi cinematografici, al cui interno un’auto rudimentale scivola su una superficie curvilinea (rivisitazione dei personaggi inventati dalla Hanna-Barbera Production, The Flistones) – porterà in scena la “Creazione secondo la Genesi”. Sette tavole, sette tele, per una lunghezza di 10,50 metri. Sono i sette giorni della nascita del mondo.

[…] Giovà non configura solamente un mastodontico mix tra scultura e pittura, ma ne fa anche un oggetto di studio antropologico-linguistico, scegliendo come matrice l’aramaico antico, il sinaitico, quella lingua che, come ricorda Giovà, parlava lo stesso Mosè. […] «Ho utilizzato colori naturali e acrilici, mischiandoli – ripete lo scultore – A completare il tutto è l’acqua che scioglie i colori stessi e gli dà quella vita che l’artista usa per stendere il colore sulla tavola. Tutto questo ha a che fare con la genesi e con la creazione. Ho trattato un tema nel tema. Dalla creazione nascono i colori. E i colori dunque sono parte di un atto divino. Insomma, più elementi concorrono a dare significato all’opera. Sul piano didattico è primigenia perché, anche in un contesto scolastico, la tavola sintetizza la creazione secondo la Genesi in modo pedagogico. Rispetto per l’ambiente, per i valori e la tradizione, sono alla base del mio progetto. Ho cercato di disegnare il messaggio di Dio. L’uomo dovrebbe rispettare l’uomo e il mondo. Quale augurio migliore in questi tempi difficili?». […]

Articolo completo sulla rivista IconArt Magazine n° 22

Storie dell’arte: l’artista August Rodin in 5 punti

Novembre 12, 2021 by Lascia un commento

Ricorre oggi, 12 novembre, la nascita di August Rodin, scultore francese considerato padre della scultura moderna. Per la qualità plastica delle sue opere, monumentali e dinamiche allo stesso tempo, realistiche e cariche di energia e vitalità e troppo avanguardistiche per i suoi tempi, è stato un importante punto di riferimento per le generazioni successive alla sua. Ricordiamolo in 5 punti:

August Rodin nasce il 12 novembre 1840 a Parigi da una famiglia operaia; lascia la scuola all’età di 15 anni e rifiutato per ben 3 volte alla Scuola di Belle Arti, decide di rinunciarci, vivendo come artigiano decoratore. Alla morte della sorella maggiore cerca conforto in ritiro in un monastero, dove l’intervento del priore lo spinge a seguire la sua vera vocazione di artista.
Rifiutato ai Salon, nel 1871 espone nella sua prima mostra a Parigi, non ricevendo però grande consenso a causa di quelle sue opere contraddistinte da un realismo marcato dovuto alla scelta antiaccademica dell’artista di avere a modello gente comune e non professionisti e dall’indefinitezza del suo tratto artistico considerato dai critici troppo rivoluzionario.
Ne 1875 è in Italia, dove resta affascinato dalle sculture di Michelangelo e su quell’esempio realizza “L’età del bronzo”, opera scandalo all’epoca per quel suo eccessivo realismo che causa all’artista addirittura un’inchiesta governativa che finisce con lo scagionarlo da accuse infamanti e allo stesso tempo consacrare gli inizi della sua fama.
Ottiene grandi commissioni come “Le porte dell’Inferno” per il Ministero dell’Arte Francese, opera ispirata alla Commedia dantesca, mai terminata, da cui uscirono però i suoi più conosciuti capolavori: “Il pensatore” che doveva raffigurare Dante e che è assurto a simbolo universale della riflessione sull’esistenza umana, e “Il Bacio” di riferimento a Paolo e Francesca danteschi.
Famoso anche oltreoceano specie per la ritrattistica, nel 1903 viene insignito della Legion d’Onore e nel 1916, dopo aver lasciato Parigi, il governo francese acquista la sua casa trasformandola nell’ancora attuale Musée Rodin. L’anno successivo muore nella sua villa di Meudin, nell’Île-de-France per una congestione polmonare.

Resti di epoca romana in terra inglese: nuovi ritrovamenti arricchiscono la storia

Novembre 5, 2021 by Lascia un commento

La vastità dell’Impero Romano sembra dichiarare ancora oggi la sua potenza nei vari ritrovamenti che di tanto in tanto riaffiorano dalle terre vicine e lontane andando a incrementare il vasto patrimonio archeologico che riguarda quell’immenso momento storico.

Ultima scoperta di rilievo è quella ha di recente interessato Stoke Mandeville, un villaggio in prossimità di Oxford nel Regno Unito.

Come spesso accade, un evento fortuito è stato all’origine del ritrovamento. Infatti durante gli scavi per la realizzazione di una nuova linea ferroviaria ad alta velocità si sono visti emergere dal sottosuolo tre sculture antiche che per stile sembrerebbero riconducibili all’epoca romana. Delle tre statue, due raffigurano un uomo e una donna con testa e busto in pietra mentre la terza è un bambino di cui però è stata rinvenuta solo la testa. Si trovano in un ottimo stato di conservazione, il che permette uno studio più preciso della loro identificazione e classificazione.

Dagli altri reperti ritrovati in zona, tra cui resti di strutture architettoniche e di impianti decorativi eccessivi per essere semplici abitazioni, le prime ipotesi sembrerebbero orientarsi verso la possibilità di trovarsi dinanzi a un mausoleo romano, probabilmente demolito in epoca normanna per fare spazio alla costruzione di una chiesa risalente al 1080 d.c.

Tutti i manufatti rinvenuti, tra cui una brocca in vetro quasi intatta, sono stati esaminati e puliti in laboratorio per studiarne le caratteristiche e l’origine, lavoro che coinvolge anche le statue, per le quali l’attenzione è sulla pigmentazione, elemento importante per valutare effettivamente la provenienza di epoca romana e l’appartenenza a quella determinata tipologia.

In attesa di capire la giusta loro collocazione, la storia del Regno Unito si arricchisce di conoscenza riguardo l’eredità del suo passato.

Le “finzioni di marmo” di Fabio Viola ai Musei Reali di Torino

Ottobre 15, 2021 by Lascia un commento

I Musei Reali di Torino, da ieri 14 ottobre 2021, ospitano la suggestiva mostra “In Between” dell’artista, scultore contemporaneo Fabio Viale, la cui poetica affascina per la capacità di creare “finzioni di marmo”, trasformare la materia, reinterpretare nel presente le forme e i temi dell’arte classica, stupendo per eccentricità e raffinatezza allo stesso tempo.

Protagoniste della mostra sono infatti 5 sculture monumentali allestite tra l’esterno dei Musei, nella Piazzetta Reale, e l’interno del Palazzo Reale, contraddistinte da virtuosismo tecnico, sinuosa bellezza ma anche aspetto provocatorio che si ritrova nel concetto dell’artista di rinnovare i dettami della scultura, amalgamando l’arte classica con le espressioni moderne, come ad esempio i tatuaggi, simbolo di tribalismo contemporaneo.

Le statue esposte sono infatti riproduzioni personali di sculture capolavoro della tradizione italiana, opera di grandi maestri come Canova e Michelangelo, ripensate secondo un linguaggio moderno di tradizione e innovazione, di un passato senza tempo e un immaginario più attuale.

Si ritrovano così opere come Amore e Psiche, collocata nel Salone delle Guardie Svizzere del palazzo, di ispirazione canoviana ma dalla lettura squisitamente contemporanea, data dal corpo femminile interamente coperto di tatuaggi. Come ha spiegato l’artista stesso, l’opera era stata concepita “marchiata” da tatuaggi giapponesi, ma gli eventi che hanno interessato la situazione politica e sociale in Afghanistan ha fatto ripensare il progetto, che si è arricchito di segni relativi ai motivi nuziali delle spose mediorentali, facendo della scultura una riflessione sulla condizione della donna nell’attualità dei fatti.

Un’altra opera in esposizione è Lorica, una corazza fedele all’antico, in marmo rosa tatuato, perfettamente indossabile e realizzata sulle misure del corpo di Fedez, atteso alla mostra.

A dicembre poi si svolgerà la seconda tappa della mostra all’interno delle nuove Sale delle Antichità Reali, dedicata aìl confronto tra la statuaria greco-romana della raccolta Savoia e le sperimentazioni dell’artista che lo hanno reso noto al mondo, ossia le trasformazioni sul marmo in legno, plastica, polistirolo, carta…

L’esposizione è fruibile al pubblico fino al 9 gennaio 2022

Con i restauri della Pietà Bandini, il capolavoro svela la sua rinnovata bellezza e segreti finora sconosciuti

Settembre 28, 2021 by Lascia un commento

Dopo l’inizio nel 2019, gli stop dovuti all’emergenza covid e un faticoso lavoro da parte di operatori e studiosi su un’opera che partiva già difficile nella sua restaurazione, sono finalmente finiti i restauri della Pietà Bandini di Michelangelo, conservata al Museo dell’Opera del Duomo di Firenze.

L’imponente gruppo scultorio – a parte il lavoro di integrazione dell’allievo del maestri fiorentino, Tiberio Calcagni, alla vendita dell’opera allo scultore Bandini – non è stato mai veramente oggetto di grandi interventi di pulitura pertanto presentava una giacenza di depositi superficiali lunga 470 anni!

Come risaputo, questo indiscusso capolavoro venne scolpito quando Michelangelo aveva già 75 anni e come si tramanda pare che il maestro fosse sempre scontento del risultato tanto da provare a distruggerlo a martellate.

In realtà dal restauro appena concluso sono emersi interessanti dettagli in proposito che hanno permesso di pensare ad una diversa verità. Infatti l’intervento oltre a rimuovere strati di gesso, polvere e cere accumulate nei secoli portando a nuova luce la bellezza che fu, ha fatto spostare l’interesse anche verso altri elementi come appunto i segni di lesione che presenta la scultura. Questi segni, ad uno studio più attento e approfondito, hanno mostrato essere non tracce di colpi inferti dal maestro ma microfratture legate alla scarsa qualità del blocco di marmo su cui operava e questa potrebbe essere la causa dell’abbandono del tormentato progetto da parte di Michelangelo.

Relativamente alla qualità del marmo è poi anche emerso che non proveniva, come si è finora pensato, dalle cave medicee di Carrara ma da quelle di Seravezza e probabilmente era già difettoso.

I risultati di questo restauro saranno visibili fino al 30 marzo 2021, continuando a mantenere la sua particolarità di cantiere aperto, il che ha permesso ai visitatori di osservare gli sviluppi fino ad ora che è possibile ammirare l’opera nel suo rinato splendore.

New York celebra Calder, il genio che ha dato movimento alla scultura

Settembre 23, 2021 by Lascia un commento

“Se è della scultura essere immobile allora Alexander Calder non è uno scultore”. […] L’idea su cui ragiona Sartre, infatti, coglie nel segno la cifra stilistica del genio reso famoso dalla sua innovativa arte cinetica. A lui, fino al 15 gennaio, il Moma di New York dedica una grande mostra che riunisce pezzi della collezione dello stesso museo con nuovi arrivi provenienti dalla Calder Foundation. Cosa rende unici i suoi lavori, tali da caratterizzarli come iconici e simbolo di parte della storia dell’arte del XX secolo? […] Con lui tutto cambia, a partire dall’uso di materiali poveri e strampalati, dal ferro a quelli di scarto, in un gioco di innovazione e provocazione con l’occhio di chi guarda, teso quasi a costruire un meccanismo di ingannevoli rimandi. […] Moma è stato set di uno scambio produttivo sin da quando la sua produzione è stata esposta per la prima volta qui nel 1930, pochi mesi dopo l’apertura del museo. Quell’anno segnò l’inizio di una lunga e fruttuosa relazione: quella tra l’artista americano e il tempio sacro dell’arte fondato e diretto da Alfred H. Barr Junior. Ed è attorno a tale relazione che verte la mostra “Alexander Calder: Modern from the Star”, la quale raccoglie settanta opere accompagnate da film, fotografie storiche e materiali d’archivio.

L’incipit del lavoro filologico va ricercato nelle due esposizioni storiche del 1936, “Cubism and Abstract Art” e “Fantastic Art, Dada, Surrealism”, che includevano entrambe suoi lavori originali. […] lo scultore donerà ben 19 opere al museo newyorchese.

Questa mostra, guarda infatti al lavoro di Calder attraverso la lente di ingrandimento di una interconnessione molto stretta tra l’idea creativa e lo spazio che la ospita e che ne custodisce la memoria e l’intuizione. Durante gli anni formativi del Moma, Calder, nel suo ruolo non ufficiale di “artista della casa”, è stato più volte chiamato a produrre diverse opere su commissione, tra cui Lobster Trap e Fish Tail, un mobile multicolore appeso nella stessa tromba delle scale per cui è stato realizzato nel 1939. Da allora le sue creature leggere e multiformi sono state l’anima delle gallerie del Museo e dello Sculpture Garden. In vetrina compaiono autentici capolavori che difficilmente sono stati esposti fuori dai confini della Grande Mela, tra cui il grande Man-Eater with Pennants, accolto in Giardino per la prima volta dopo il restauro. […] le prime figure in filo e legno, le opere su carta, i gioielli, le monumentali sculture astratte, tengono alta l’attenzione del pubblico grazie a una sintesi formale e cromatica in costante movimento, quasi una coreografia leggera, con passi di danza non scritti, che fendono l’aria e la disegnano. Tra i lavori più interessanti in mostra a New York, A Universe (1934), un cosmo in miniatura nonché uno dei suoi primi Mobile meccanizzati, sculture dalla serie Constellations degli anni ‘40 e gioielli creati dall’artista per gli amici e la famiglia […]

Articolo completo sulla rivista IconArt Magazine n° 21

Sneakers, autentici pezzi da museo

Settembre 21, 2021 by Lascia un commento

Dalle piste di atletica alle sale espositive. Il Design Museum di Londra, fino al 24 ottobre, mette in mostra le sneakers analizzando la loro evoluzione: dai primi modelli Adidas e Puma, pensati per gli atleti olimpici, a oggetti cult all’ultima moda. Nella mostra “Sneakers Unboxed: Studio to Street” oltre 200 paia di scarpe arricchiscono il percorso espositivo, diviso in due macrosezioni: Style e Performance.

[…[il mercato ha visto una crescita esponenziale negli ultimi due decenni, arrivando a toccare un valore di oltre 78 miliardi di dollari nel 2020[…].

Il successo globale arriva grazie alle collaborazioni con atleti come Chuck Taylor e Michael Jordan e a stelle della musica come Run-Dmc a Kanye West. […]. Delle sneakers si appropriano anche brand di lusso, come Balenciaga, Comme des Garçons, Burberry, Louis Vuitton, Gucci, che le consacrano come oggetto di moda. Nonostante tutto, però, l’aspetto tecnologico rimane importante nei materiali utilizzati e nella fase di design e produzione. Pioniere in tal senso è stata Adidas con la creazione, negli anni Ottanta, del Micropacer, che aveva un microcomputer nella linguetta […]

In mostra anche le ultime innovazioni, come FutureCraft.Strung, il robot progettato da Kram/Weisshaar che realizza scarpe per Adidas sulla base dei dati e dei feedback dei runner. […]

Al termine del percorso espositivo si affronta la questione ecologica della produzione di sneakers che non rappresentano di certo il più ecologico degli accessori dal momento che l’1,4% delle emissioni nocive, una quantità pari alla CO2 emessa da 66milioni di auto, deriva dalla produzione di questa tipologia di scarpe anche per via delle suole sintetiche e delle colle tossiche che resistono per mille anni. In questa sezione della mostra c’è, nel contempo, un’ammissione di colpa e un invito ad implementare la ricerca per migliorare la produzione futura.

Negli ultimi anni, come si evince anche nell’esposizione, c’è più attenzione sui materiali utilizzati, si cerca di rendere più durature le scarpe e si pensa ad un metodo per poterle riciclare. Stella McCartney, Helen Kirkum e Alex Taylor sono solo alcuni dei designer che si stanno impegnando a rendere più sostenibile questo settore.[…]

Articolo completo sulla rivista IconArt Magazine n° 21