Mostre

A Bologna la mostra di Ponzi per “La grande mappa della Metropolitana di New York”, omaggio a Vignelli

Marzo 29, 2019 by Lascia un commento

Dal 1 aprile al 5 maggio 2019 il Foyer del MAMbo – Museo d’Arte Moderna di Bologna espone una riproduzione in legno della carrozza di testa della metropolitana di New York disegnata da Emiliano Ponzi, uno dei maggiori illustratori italiani conosciuto a livello internazionale.

La mostra è legata alla commissione fatta direttamente dal MoMa di New York a Ponzi: un volume scritto ed illustrato inerente la storia della mappa della Metropolitana di New York, disegnata nel 1972 da Massimo Vignelli, designer di fama mondiale. L’idea nasce per divulgare l’eccezionalità di un’opera che si presenta come “iconica” e “pionieristica” e per far passare il messaggio che il graphic design possa essere considerato come una disciplina progettuale funzionale, in grado di risolvere problemi.

Il volume intitolato “La grande mappa della Metropolitana di New York” (MoMA – FATATRAC Edizioni, 2018), è stato redatto in seguito a continue frequentazioni di Ponzi agli archivi del New York Transit Museum a Brooklyn, che hanno portato ad uno scritto ricco di aneddoti e raffigurazioni di treni e stazioni metropolitane newyorkesi, uno dei più grandi e complessi sistemi di trasporto pubblico nel mondo.

Ponzi è riuscito così a ricostruire il contesto culturale e le idee di Vignelli che fu in grado di realizzare un’imponente opera che coniugava l’approccio modernista europea al design americano. Vignelli ed il suo staff infatti, dopo circa due anni di studi e ricerche, riuscirono a progettare una soluzione minimalista che potesse tradurre il labirintico sistema della rete metropolitana e di tutte le sue informazioni, in una mappa facile da consultare sia per newyorkesi che per i turisti. Una mappa così funzionale ed avanguardistica che ancora oggi, dopo 47 anni, resta un punto di riferimento importante e una lezione precisa di chiarezza e purezza formale.

Con la mostra al MAMbo si vuole ulteriormente omaggiare la lezione di Vignelli che diventa esperienza dal vivo. All’interno di un percorso circolare, oltre alla riproduzione in legno, sono esposte anche le sedici tavole presenti nel volume.

L’inaugurazione sarà il 31 marzo 2019 alla presenza dell’illustratore. La mostra – in collaborazione con MoMa e Fatatrac – entra all’interno del programma di eventi che il Dipartimento educativo MAMbo organizza nei giorni della fiera dedicata all’editoria per l’infanzia “Bologna Children’s Book Fair 2019”.

Maggiori informazioni su MAMbo Bologna.

[nella foto: Emiliano Ponzi – tavola della carrozza, metro di New York (Ufficio Stampa Bologna Musei)]

“Tutankhamon, il Tesoro del Faraone” fa tappa a Parigi

Marzo 26, 2019 by Lascia un commento

Ritornano a Parigi i misteri dell’Egitto e del faraone Tutankhamon. Dopo 52 anni dall’esposizione al Petit Palais, che registrò una presenza di un milione e duecentomila visitatori, tanto da essere annoverata come la “mostra del secolo” di Parigi, ritorna in esposizione nella capitale francese una collezione unica legata alla tomba di Tutankhamon e all’affascinante cultura egizia.

In realtà la mostra di Parigi che si terrà questa volta nella Grande Halle di La Villette, in un allestimento su due piani, è parte di un tour tra le maggiori capitali mondiali che culminerà nell’esposizione permanente all’interno del Grand Egyptian Museum, attualmente in costruzione al Cairo. La mostra intitolata “Tutankhamon, il Tesoro del Faraone” riunisce 150 capolavori d’eccezione, di cui oltre 50 non avevano mai lasciato l’Egitto fino ad oggi e celebra il centenario della scoperta della famosa tomba del faraone.

Era il 4 novembre 1922, quando l’archeologo britannico Howard Carter si trovò davanti l’apparato funerario del giovanissimo sovrano del XIV secolo a.C. appartenente alla XVIII dinastia dell’Egitto: una stanza arredata di statue, tutta scintillante di ori, con decori ed oggetti preziosi ed il famoso tesoro, costituito da una grande quantità di elementi d’arredo funerario, di carattere soprattutto religioso, come la statua di Anubi (dio della mummificazione e dei cimiteri) e vasi canopi in alabastro contenenti le viscere estratte dal cadavere del sovrano.

Una scoperta sensazionale, ammantata di mistero, storie e leggende, che è diventata patrimonio artistico e culturale dalla portata mondiale, anche perché è una delle poche sepolture dell’antico Egitto ritrovata quasi intatta, l’unica di un faraone e la più ricca tra quelle conosciute.

La mostra inaugurata il 23 marzo si protrarrà fino al 15 settembre 2019 e punta a diventare – per record di presenze – ancora più “famosa” della precedente “mostra del secolo” del 1967, se si pensa che prima ancora dell’apertura aveva già venduto centotrentamila biglietti, disponibili sul web.

Maggiori informazioni sul sito di La Villette

Tintoretto vola a Washington nella mostra “Tintoretto: Artist of Renaissance Venice”

Marzo 25, 2019 by Lascia un commento

Quest’anno si festeggiano i 500 anni dalla nascita del grande maestro veneziano dell’arte italiana del Cinquecento: il Tintoretto. Dopo un recente film che lo ha celebrato, permettendo di conoscere meglio l’artista e la persona, Tintoretto vola oltreoceano per confluire in tutta la sua potenza nella mostra a lui dedicata, intitolata “Tintoretto: Artist of Renaissance Venice”, che si tiene dal 24 marzo al 7 luglio 2019 alla National Gallery of Art di Washington. Grazie alla collaborazione con la Fondazione Musei Civici di Venezia e con le Gallerie dell’Accademia, questa prima retrospettiva sul Tintoretto organizzata negli Stati Uniti, vede la presenza di molti importanti prestiti internazionali, per la prima volta qui fruibili.

In mostra ci sono circa 50 dipinti e più di una dozzina di opere su carta che ripercorrono le varie tappe del lavoro dell’artista partendo da opere come i ritratti dell’aristocrazia veneziana e procedendo con scene narrative di ambito religioso e mitologico. Curatori della mostra sono lo studioso Robert Echols, il presidente del dipartimento Art of Europe Frederick Ilchman e la curatrice dei dipinti al Museum of Fine Arts di Boston Russell W. Baker. Grazie agli studi da loro effettuati, questa esposizione si arricchisce di una serie di saggi sia degli stessi che di altri importanti studiosi, nonché di nuove ricerche e studi scientifici sull’opera di Tintoretto. Va infatti a loro il merito di aver fatto chiarezza sulla catalogazione delle opere del Tintoretto, tra i “Tre grandi” del XVI secolo accanto a Tiziano e Veronese, spesso confuso tra i suoi tanti seguaci ed assistenti.

Correlata alla mostra ci sono anche altre due esposizioni che fanno da focus tematici sull’arte del Tintoretto ed il contesto creativo in cui operava: Drawing in Tintoretto’s Venice e Venetian Prints in the Time of Tintoretto, entrambe dal 24 marzo al 9 giugno 2019. La prima è incentrata sul lavoro del Tintoretto come disegnatore, permettendo di scoprire l’evoluzione dell’artista come disegnatore, con importanti contributi anche sulle datazioni, sulla funzione dei disegni di scultura e sul ruolo giocato dal Tintoretto nella tradizione veneziana. La seconda invece, attraverso circa una quarantina di stampe – tra xilografie ed incisioni – della seconda metà del XVI secolo del Parmigianino, di Solari ed altri artisti dell’epoca, offre una panoramica sui riferimenti formativi del Tintoretto, sugli sviluppi di un manierismo tipicamente veneziano e sulle risposte dell’artista verso uno stile dinamico ed espressivo.

Maggiori informazioni sul sito della National Gallery of Art

A Palazzo Merulana a Roma, un Balla dal Futurismo astratto all’iconico

Marzo 22, 2019 by Lascia un commento

Ha aperto ieri, 21 marzo 2019, la mostra “Giacomo Balla. Dal Futurismo astratto al Futurismo iconico” presso il Palazzo Merulana di Roma, in cui viene messa in evidenza la ricerca di Balla verso un’evoluzione del Futurismo contaminato dalle suggestioni dell’immaginario cinematografico e pubblicitario contemporaneo.

L’esposizione s’incentra pertanto sull’opera Primo Carnera datata 1933, che immortala il l’asso del pugilato al tempo in cui era diventato campione del mondo, riempiendo i rotocalchi dell’epoca. L’opera in questione segna proprio il passaggio di stile del pittore torinese e rappresenta un momento cruciale nella produzione di Balla. Il quadro è dipinto su due lati: da una parte il soggetto rappresentato è Vaprofumo – dipinto nel 1926 – che è un tema tipicamente futurista proposto alla mostra personale che Balla tenne nel 1928 agli Amatori e Cultori di Roma e dall’altro lato – dipinto nel 1933 – figura invece il ritratto di Carnera.

Se Vaprofumo testimonia – attraverso forme e colori chiari nonché sagome “bucate” a mo’ di narici – il sistema giocoso sinestetico tipico della pittura di Balla di quel periodo, richiamando, in questo caso, quelle sensazioni olfattive che genera il profumo, Primo Carnera è la versione dipinta dell’immagine patinata restituita dai quotidiani del 1933 di una foto di Elio Luxardo, amico di Marinetti, scattata al pugile quando questi divenne campione del mondo. Per cercare di ritrovare, su una pittura, quell’effetto di “retinatura” tipico delle immagini dei giornali e rotocalchi, Balla ha applicato sul fondo del dipinto una rete metallica su cui ha poi diretto le pennellate di colore, sperimentando così tecniche che potessero portare la sua arte verso un’ “avanguardia di massa”, ossia un’arte che stimolasse l’interesse di massa come quello che stimola il cinema ed il mondo delle riviste patinate.

Oltre a quest’opera la mostra affianca altri dipinti futuristi di quegli anni, opere eseguite con la stessa tecnica a “retinatura”, fotografie di divi scattate da fotografi come Luxardo e Ghergo e riviste dell’epoca. È possibile visitare la mostra fino al 17 giugno 2019.

Maggiori informazioni sul sito Palazzo Merulana

A Piacenza si riscopre l’arte di Ligabue

Marzo 19, 2019 by Lascia un commento

Fino al 28 aprile 2019 è possibile visitare presso la Galleria Biffi Arte di Piacenza, la mostra “Antonio Ligabue. Pittore e scultore”, un’esposizione in cui si ricostruisce la figura di Antonio Ligabue, tra vita ed opere, restituendogli la sua dimensione di artista internazionale dallo stile personalissimo ed attuale.

Esposte sono 82 opere, distinte in 59 dipinti e 23 sculture in bronzo, attraverso le quali si dipana un percorso che tocca i tre principali periodi in cui si è sviluppata la produzione di Ligabue: dagli animali domestici del primo periodo alle tigri dalle fauci spalancate, felini in attacco, serpenti, rapaci predatori o lottatori per la sopravvivenza del secondo e terzo periodo.

È una vera e propria giungla quella che si presenta agli occhi del visitatore, che diventa metaforica nella serie degli autoritratti in cui il dolore esistenziale dell’artista si solleva come grido intenso, quasi ferino.

Particolarmente significativa è anche la sezione dedicata alla scultura, in cui sono presenti diverse opere scultoree realizzate dall’artista in bronzo dagli originali generalmente in terracotta, tranne per l’esemplare Cavallo in amore in cera d’api. È molto interessante tale sezione se si pensa che di norma Ligabue amava utilizzare l’argilla che raccoglieva dal Po, che rendeva più facilmente plasmabile, masticandola a lungo, e con la quale ha realizzato splendide opere di gruppi di felini, cavalli e animali domestici. L’attenzione per la scultura all’interno della mostra non testimonia solamente l’attività plastica dell’artista ma anche la crescente documentazione riguardo questa parte della produzione, giunta ad una preziosa fase di catalogazione e schedatura grazie anche al contributo di collezionisti detentori di grafiche, disegni, pastelli, incisione che ne testimoniano la passione ed il lavoro in quella direzione.

Maggiori informazioni sul sito della Galleria Biffi Arte di Piacenza.

A Los Angeles un’interessante retrospettiva sul fotografo ottocentesco Oscar Rejlander

Marzo 18, 2019 by Lascia un commento

Al J. Paul Getty Museum di Los Angeles è presente da marzo fino al 9 giugno 2019, una mostra fotografica dall’incredibile interesse artistico dedicata a colui che fu definito “il padre della fotografia d’arte”.

La mostra “Oscar Rejlander: Artist Photographer”, ripercorre la carriera artistica di Rejlender, una delle personalità dell’Ottocento capace di regalare alla fotografia una straordinaria valenza artistica, oltre ad essere grande sperimentatore di tecniche e ricerche del medium fotografico.

Interessato a catturare sguardi di persone comuni, tra gli scatti del fotografo svedese non sono mancati anche volti famosi come il principe Alberto e la regina Vittoria o Charles Darwin con cui ha collaborato e Julia Margaret Cameron e Lewis Carrol sul cui lavoro ha spesso influito.

Tra i 150 lavori esposti in questa retrospettiva oltre ai ritratti si possono ammirare anche paesaggi ed allegorie e commenti ironici della società del suo tempo, nonché disegni, stampe e dipinti che testimoniano il suo primo esordio come pittore.

Attraverso la selezione inoltre sono messe in evidenza anche le sperimentazioni del mezzo fotografico eseguite da Rejlender come per esempio il tunnel studio, un ambiente realizzato in legno, ferro e vetro dove il soggetto da ritrarre veniva fatto sedere nella zona più esposta alla luce con lo sguardo verso il buio, in modo da far emergere volti ed espressioni più incisivi.

Altra interessante tecnica studiata e utilizzata era la stampa combinatoria, realizzata esponendo separatamente diversi negativi per poi stamparli tutti insieme in modo da creare un’unica immagine. Questa tecnica è ben visibile nel capolavoro “Due modi di vita” databile intorno al 1857.

Osservando le sue opere infine si può capire come il fotografo fu molto d’ispirazione per gli artisti della sua epoca e come egli stesso fosse affascinato dall’arte contemporanea, tanto da ricreare nei suo scatti dipinti ed opere d’arte del suo tempo.

Maggiori informazioni sul sito di J. Paul Getty Museum

Una mostra piena di fascino e magia: “Bolle di sapone. Forme dell’utopia tra vanitas, arte e scienza”

Marzo 15, 2019 by Lascia un commento

Una materia evanescente, dai risvolti giocosi e leggeri come le bolle di sapone diventa protagonista di una mostra piena di fascino e magia che mette in luce gli aspetti scientifici, fisici, di luce e colore ad esse legate che hanno destato sempre un grande interesse negli artisti, permettendo di rintracciare una produzione notevole nella storia dell’arte.

In particolar modo il tema delle bolle di sapone ha interessato il genere della natura morta e della vanitas, che ne ha dato il titolo – Bolle di sapone. Forme dell’utopia tra vanitas, arte e scienza – ma la mostra, che si terrà dal 16 marzo al 9 giugno 2019 a Perugia presso la Galleria Nazionale dell’Umbria, prende la sua ispirazione anche dal saggio Bolle di sapone tra arte e matematica di Michele Emmer, curatore dell’esposizione.

Attraverso circa 60 opere che vanno dal Cinquecento all’epoca contemporanea, frutto di prestiti da istituzioni nazionali ed internazionali, la rassegna vuole essere un percorso multidisciplinare in cui al’aspetto artistico si coniuga a quello scientifico-matematico.

Così l’esposizione si apre con una sezione di opere allegoriche legate alla Vanitas e continua con un percorso che prima fa tappa nell’arte olandese del XVI e XVII secolo illustrando l’iconografia del tema e poi prosegue con una panoramica che va fino ai lavori di artisti novecenteschi come Man Ray e Max Beckmann e alle creazioni di architetti contemporanei.

Un’altra sezione interessa poi stampe, incisioni, fotografie, locandine e manifesti pubblicitari a dimostrazione del successo perpetrato dal tema anche al di là delle arti tradizionali.

Accanto a questo percorso si sviluppa quello della documentazione scientifica partendo dalle trattazioni settecentesche sulla rifrazione della luce e sui colori fino ad arrivare alle teorie sulle superfici minime e sullo stato di aggregazione organica della materia e alle sperimentazioni di oggi in computer grafica.

La mostra è pensata anche per i bambini e corredata di un libro illustrato a loro dedicato. Inoltre vista l’ecletticità della materia, che è movimento, luce, leggerezza, gioco di dimensioni o anche di composizioni nel momento in cui le bolle si attaccano l’una sull’altra e poi ancora, sfaccettature di colore, disegni di immagini catturate dalla loro sfericità, ecc. diversi eventi come spettacoli, talk, visite guidate, performance dal vivo, laboratori didattici e tanto altro completano l’esposizione.

Maggiori informazioni sul sito della Galleria Nazionale dell’Umbria

Palazzo Leoni Montanari a Vicenza festeggia i 20 anni di attività con la mostra “Mito. Dei ed eroi”

Marzo 14, 2019 by Lascia un commento

“Mito. Dei ed eroi” è la mostra che sarà presente dal 6 aprile al 14 luglio 2019 alle Gallerie d’Italia – Palazzo Leoni Montanari di Vicenza. In occasione dei venti anni di attività del Palazzo in qualità di museo e luogo d’arte e cultura, la mostra apre a tutta una serie di iniziative che mettono l’accento sulla bellezza e sul valore artistico e culturale delle collezioni custodite al Palazzo.

Nello specifico l’esposizione “Mito. Dei ed eroi” intende analizzare la tematica mitologica nei secoli partendo dall’antica Grecia e dalla Roma classica fino ad arrivare al Neoclassicismo attraverso un percorso iconografico costruito sulle suggestioni che la stessa configurazione e decorazione tematizzata del Palazzo dettano.

Con un allestimento di circa 60 opere, antiche e moderne, provenienti dalla collezione di Intesa SanPaolo, da musei come l’Hermitage di San Pietroburgo e da collezioni private ed articolata in 8 sezioni, la mostra intesse un dialogo fra la narrativa del mito rappresentata nell’apparato decorativo dell’edificio e quella dei capolavori lì confluiti. Così raffigurazioni vascolari, pitture parietali, sculture in terracotta e marmo, oggetti preziosi, affreschi restituiscono aspetti produttivi e figurativi delle antichità greche e romane; il confronto tra decorazioni e capolavori di artisti di epoche diverse mette in luce influenze e predilezioni per personaggi e temi come Apollo, Atena, Marsia, Niobe, Alessandro Magno, Ercole, Achille; le opere pittoriche di artisti come Batoni, Francesco Hayez, Giambattista Tiepolo testimoniano l’influenza della mitologia classica quale modello universale e sempre attuale di bellezza e virtù morale e civile.

Ad arricchire l’esposizione anche una serie di attività tra cui visite guidate, progetti didattici, incontri, concerti ed eventi speciali.

Alla mostra seguiranno poi altre interessanti iniziative che completano i festeggiamenti del ventennale delle attività di Palazzo Leone Montanari. Prossima esposizione infatti vedrà impegnato un altro nucleo prezioso delle collezioni di palazzo che riguarda le icone russe, mentre nell’ambito della rassegna “L’Ospite illustre” giungeranno importanti prestiti da musei internazionali.

Maggiori informazioni sul sito Gallerie d’Italia

“Canova e l’Antico” al MANN di Napoli

Marzo 13, 2019 by Lascia un commento

Al MANN di Napoli un’eccezionale mostra, in programma dal 28 marzo al 30 giugno 2019, mette a confronto l’arte sublime di Antonio Canova con i grandi classici del passato che lo hanno ispirato e condotto la sua ricerca artistica verso un’imitazione dell’antico che era al tempo stesso studio ed innovazione, rendendo l’artista veneto il rappresentante per eccellenza della corrente neoclassica.

“Imitare, non copiare gli antichi” per “diventare inimitabili” era ciò che teorizzava il Winckelmann, uno dei massimi teorici ed esponenti del Neoclassicismo, e di questa lezione Canova ne fece regola per tutta la sua attività.

Nel 1780 Canova compì il suo primo soggiorno a Napoli per ammirare dal vivo gli scavi di Ercolano e Pompei, rinvenuti nella seconda metà del secolo. Questa esperienza fu per lui tanto illuminante da fare da ulteriore conferma alla sua vocazione all’antico. Proprio questo aspetto ha ideologicamente posto le basi per la mostra “Canova e l’Antico”, che parte da lì dove sono custoditi i capolavori che il maestro aveva ammirato. Il MANN infatti conserva le pitture e sculture oggetto del primo soggiorno partenopeo, come prima accennato; nonchè i marmi farnesiani, studiati già al tempo della loro locazione a Roma in palazzo Farnese e poi trasferiti per volere del re Ferdinando IV a Napoli, che sono all’origine di capolavori canoviani. Basti pensare all’Amore Farnese, modello per l’Amorino alato Jusupov e al Paride da Capua modello per il Paride canoviano.

Così in un’esposizione di 12 marmi e 110 opere, divise tra modelli e calchi in gesso, bassorilievi, modellini in terracotta, disegni, dipinti monocromi e tempere, la mostra offre al pubblico un dialogo costruito per analogia ed opposizione, tra le opere del genio di Canova presentate e le collezioni permanenti del museo, inserite nel percorso espositivo o segnalate nelle rispettive sale in cui sono collocate.

A costruire la mostra anche tanti prestiti nazionali ed internazionali. In particolare ben sei marmi provenienti dall’Ermitage di San Pietroburgo, museo con la più grande collezione canoviana al mondo, tra le cui opere anche la famosa scultura Tre Grazie; l’imponente scultura di 6 metri di La Pace proveniente dal Museo Nazionale di Kiev; l’Apollo che s’incorona del Getty Museum di Los Angeles; e poi opere da Genova, dal Museo Civico di Asolo, dalla Gypsoteca di Possagno, ecc.

Sempre da Possagno, inoltre, dalla casa natale dell’artista, provengono 34 tempere su carta a fondo nero, richiamanti per contrasto le pitture pompeiane su sfondo unito. A ciò si aggiunge anche il gesso del gruppo di Adone e Venere, scultura – quest’ultima – oggi conservata (ed inamovibile) al Museo di Ginevra ma che al tempo ha rappresentato la prima opera di Canova giunta Napoli, per acquisto del marchese Francesco Berio, accolta da un fortissimo entusiasmo di pubblico.

A Genova, una delle mostre più complete dedicata ad Albrecht Dürer

Marzo 12, 2019 by Lascia un commento

Genova si appresta ad ospitare una mostra su uno dei maggiori rappresentanti del Rinascimento nordico, restituendo al pubblico una delle collezioni più complete e qualitativamente alte mai viste in Italia.

Si tratta di Albrecht Dürer, pittore ed incisore tedesco, dalla tecnica eccezionale che ha influenzato pittori, disegnatori ed incisori in tutta Europa e nelle varie epoche. La mostra è allestita prendendo a prestito un nutrito numero di opere appartenenti ad un anonimo collezionista privato appassionato d’arte che nel tempo ha raccolto circa 200 fogli divisi tra artisti italiani come il Tiepolo e il Grechetto e stranieri come appunto Dürer, che nelle sue intenzioni vuole poi donare al Gabinetto dei Disegni e delle Stampe di Palazzo Rosso.

Nella mostra intitolata “Albrecht Dürer (1471-1528). Capolavori a bulino”, i Musei di Strada Nuova in realtà propongono in anteprima, all’interno di Palazzo Bianco, solo una parte delle tante incisioni dell’artista tedesco, presenti nel fondo. Saranno esposte circa 54 bulini e 2 acqueforti che coprono tutto l’iter artistico di Dürer, dalle prime stampe in cui risente dell’influenza dei precedenti maestri nordici, alle opere in cui si riconosce la creazione dello stile personale dell’artista, cariche di significati simbolici e di virtuosismo tecnico. Così si passa da opere come “La sacra famiglia con la libellula” (1495 c.) o la “Giovane donna insidiata dalla morte” (1495 c.) a “La grande fortuna” (1501 c.) o “La strega cavalca una capra” (1505 c.), dove si possono osservare i cambiamenti tematici e l’evoluzione dello stile, fino a giungere ai grandi capolavori apprezzati in tutto il mondo.

La mostra sarà inaugurata il 17 aprile 2019. Sarà aperta al pubblico dal 18 aprile e potrà essere visitabile fino al 30 giugno.

Ad accompagnare la mostra ci saranno visite guidate, laboratori, approfondimenti ed itinerari organizzati in città, alla scoperta delle influenze di Dürer anche sugli artisti locali.

Maggiori informazioni sul sito Visitgenoa