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Mostre

Una mostra tra Fato e Destino…

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Fato e destino, gli enigmi universali su cui l’uomo si è sempre interrogato nella scienza come nella letteratura, nel mito come nell’arte, nel passato come nel presente! E proprio l’arte ci ha consegnato capolavori inestimabili, interpretazioni simboliche corali o personali, sguardi metaforici e letture liriche che una mostra affascinante ha voluto in parte raccogliere in un percorso che si sviluppa dalle forme dell’antichità a quelle della contemporaneità. E’ “FATO E DESTINO: tra mito e contemporaneità”, che si aprirà l’8 settembre 2018 a Mantova, al Complesso Museale Palazzo Ducale all’interno del prestigioso Appartamento della Rustica, progettato dall’architetto Giulio Romano per Federico II Gonzaga. L’esposizione consta di circa 70 opere in prestito dalla Fondazione Cariplo, da prestigiosi musei  e collezioni private e sono distinte in dipinti, sculture, mosaici, lavori di grafica, disposte secondo 10 diverse sezioni. Ad aprire l’itinerario d’arte è “La Sfinge”, una scultura risalente al I secolo d.C., che con il suo significato simbolico dell’esigenza dell’uomo di interrogare se stessi, ben si presta ad introdurre alla prima sezione Verità Celate. Segue poi Interrogare la sorte, in cui sono collocate le opere che rivelano l’attitudine umana all’acquisizione del potere divino di interrogare il passato e predire il futuro, come nel caso di “La cartomante” di Jules Jean-Baptiste Dehaussy. C’è poi Interrogare il cielo, interpretazione della predisposizione a seguire gli insegnamenti divini come nelle opere di Pompeo Batoni e Giulio Cesare Procaccini; e ancora Sacro e Profano; Sfidare il destino; Vita e Morte; Vita in un vaso (dedicato al tema della vanitas); Natura Madre e Matrigna; Tra sonno e morte; La risalita dalla terra al cielo. Oltre ai citati, altri artisti in mostra sono Adolfo Wildt (in Sacro e Profano); Domenico Fetti (nella sezione Sfidare il destino); Angelo Morbelli (in Vita e Morte); Gustav Klimt (con “Nudo di Donna”  in Tra sonno  e morte). Una rassegna ricchissima quindi che non è solo arte ma anche filosofia, misticismo, mito. La mostra è visitabile fino al 6 gennaio 2019.

Maggiori informazioni sul sito di Palazzo Ducale

“Surrealism Switzerland”, la mostra dei pittori surrealisti elvetici

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Dal 1 settembre 2018 in Svizzera presso il museo Aargauer Kunsthaus di Aarau, uno dei principali musei svizzeri,  in cui l’arte contemporanea occupa un posto centrale, sarà in esposizione la mostra “Surrealism Switzerland”. E’ una rassegna di circa 400 opere che racconta la strada intrapresa dai pittori surrealisti elvetici, dalle esperienze parigine alle evoluzioni in terra svizzera, tra gli anni ’30 e ’50 del novecento. Oltre 50 artisti sono presenti disposti, secondo le diverse creazioni artistiche, in nove stanze tematiche. Alcuni sono stati pionieri di genere (si pensi a Klee e Hans Arp) altri come Giacometti e Oppenheim hanno dato un grande contributo all’esperienza parigina, altri ancora hanno creato veri e propri movimenti in Svizzera come Gruppe 33 a Basilea. Tutti hanno espresso sogni, fantasie, visioni e paure a volte rifiutando anche le istanze conservatrici del proprio paese  e opponendosi strenuamente, consentendoci oggi d’intravedere, attraverso questo percorso, quanto i modi surrealisti dell’epoca siano così contemporanei anche oggi. A completamento della mostra ci sono anche opere di artiste donne che direttamente o indirettamente hanno avuto legami con il  movimento artistico surrealista elvetico. Tra queste  Anita Spinelli che non aderendo esplicitamente a nessun preciso movimento ha affrontato ed analizzato i dibattiti formali del suo tempo e quindi anche del surrealismo ed Ilse Weber. Inoltre sono presenti anche opere di artisti contemporanei che hanno creato il loro stile sulla scorta della lezione surrealista. Tra questi Pipilotti Rist e Ugo Rondinone.

Visite record al Met per “Heavenly Bodies”

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Chi lo avrebbe mai detto! La mostra “Heavenly Bodies: Arte e immaginazione cattolica” in esposizione al Metropolitan Museum di New York si appresta a diventare l’evento espositivo più visitato di sempre al Met. È vero che già l’inaugurazione della mostra a maggio era stata un evento di risonanza mondiale, con vip in abiti tematizzati dalle fogge più ricercate e stravaganti, ma di sicuro l’affluenza di pubblico ha superato straordinariamente le aspettative. Difatti Heavenly Bodies ha superato il milionesimo visitatore e si stima che per la fine dell’esposizione –  l’8 ottobre –  possa registrare un record assoluto di presenze  arrivando a spodestare il primato della mostra sui “Tesori di Tutankhamun” del 1978.

A destare tanta curiosità, forse è stato proprio il concept stesso della mostra che ha accostato creazioni di alta moda, con firme prestigiose quali D&G, Versace, Cristobal Balenciaga, Jean Paul Gaultier, Alexander McQueen, Givenchy, Valentino, ad oggetti sacri, molti dei quali  provenienti dalla Santa Sede. Il Vaticano infatti ha dato in prestito al Met circa 40 paramenti liturgici, tra cui anche le scarpe rosse di Papa Giovanni Paolo II, conservate nella sacrestia della Cappella Sistina.  La rassegna è stata concepita dal Constume Institute, l’ala del Met riservata alle esposizioni di moda, insieme al Dipartimento di Arte Medievale del museo. All’arrivo del milionesimo visitatore erano presenti sia Anne Wintour, caporedattore dell’autorevole rivista di moda Vogue che il curatore Andrew Bolton, che hanno entrambi firmato i cataloghi della mostra per circa un’ora!

Attendiamo l’8 ottobre per scoprire se sarà realmente record!!!

La cultura pop in Moonage Virtual Reality

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E’ in corso al Phoenix Art Museum una rassegna sui generis, in cui l’esposizione artistica è uno spettacolo d’arte di realtà virtuale. Fino al 30 settembre 2018 i visitatori avranno l’opportunità di sperimentare una nuova dimensione di fruizione  video e fotografica. La mostra infatti si definisce con l’ausilio di occhiali VR e cuffie per l’audio collegati al proprio smartphone, che permettono di esplorare gli ambienti simulati, semplicemente muovendo la testa e girando sulla sedia, assecondando il flusso di immagini che turbinano e si dissolvono intorno e dimenticando incredibilmente la realtà esterna.  Questa speciale mostra si chiama Moonage Virtual Reality e racconta il mondo della cultura pop attraverso 3 decadi, 3 icone del tempo e 3 film dedicati, firmati dal regista Travis Hutchison. Accompagnati da un avvolgente sottofondo musicale, i tre film in realtà virtuale esplorano la moda, lo stile e la musica del tempo attraverso tre figure divenute iconiche  e che per il regista rappresentano una sorta di continuità storica tra gli anni ‘60, ‘70 e ‘80. Stiamo parlando di Andy Warhol, che con la sua carica rivoluzionaria ha contribuito a definire il movimento d’arte pop di fine anni ‘60; David Bowie che ha contaminato il pop con la musica glam – rock dandogli una nuova connotazione negli anni ‘70; Kenny Scharf che con la sua arte psichedelica ha influenzato la cultura pop degli anni ’80. Il film dedicato a Warhol è “Billy Name’s The Warhol Silver Factory” con il quale si è straordinariamente catapultati nello studio di Andy Warhol, conosciuto come Silver Factory, tra le sue opere, il glamour dell’epoca e i tanti volti noti che varcavano la soglia dello studio newyorchese dell’artista, immortalati  dall’obiettivo di Billy Name, il famoso fotografo di Warhol. Il film con protagonista David Bowie è “Mick Rock’s  Ziggy Stardust e Spider from Mars” che porta lo spettatore all’interno del leggendario tour dell’eclettico cantante, del 1972, raccontato dalle istantanee di Mick Rock. In ultimo il film a soggetto Kenny Scharf è “Kenny Scharf’s Cosmic Cavern” che riproduce il mondo psichedelico e surrealista dell’artista prendendo spunto dalla prima versione del Cosmic Cavern di Scharf del 1981, realizzata all’interno di un armadio in un appartamento di New York che condivideva con l’artista  Keith Haring.

Alla Triennale di Milano la mostra “Luigi Ghirri. Il paesaggio dell’architettura”

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La Triennale di Milano dedica a Luigi Ghirri una mostra fotografica dal nome “Luigi Ghirri. Il paesaggio dell’architettura” , visitabile fino al 26 agosto 2018. Il percorso espositivo vuole raccontare in modo inedito la figura del celebre fotografo emiliano, mettendo in luce l’importanza della sua opera nell’ambito dell’architettura. Lavorando in collaborazione con la rivista Lotus international dal 1983 per circa un decennio, Ghirri ha portato all’architettura un nuovo modo di guardare, capace di comprendere il progetto in relazione agli aspetti contraddittori e alle aporie dei paesaggi contemporanei.

L’architettura e il paesaggio si configurano così, nell’opera matura di Ghirri, come un soggetto privilegiato, “un luogo del nostro tempo, la nostra cifra epocale”. Con “Luigi Ghirri. Il paesaggio dell’architettura” si vuole illustrare la relazione tra Ghirri e Lotus, basandosi sulle fotografie originali custodite nell’archivio della rivista e molte delle quali mai esposte. Gli scatti sono in mostra, insieme ad una selezione delle pubblicazioni, per porre l’accento sulla relazione tra il talento di Ghirri e l’ambito editoriale e critico da cui è scaturito il suo lavoro sull’architettura.

Tutti gli appuntamenti della rubrica “Da vedere in Italia” sulla rivista IconArt magazine n° 02

L’Olanda celebra il genio di Odilon Redon

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Fino al  9 settembre 2018, il museo Kröller-Müller ospita l’artista francese Odilon Redon (Boredeaux 1840-Parigi 1916) con la mostra “Odilon Redon. La littérature et la musique”. Attraverso un gran numero di pastelli, dipinti, disegni e litografie, nel percorso espositivo si pone l’accento sul ruolo fondamentale svolto da letteratura e musica nella vita e nell’opera di Redon che, come nessun altro, riuscì a esprimere il concetto di sinestesia – molto popolare nel diciannovesimo secolo – secondo il quale, sollecitando i vari sensi, si può ottenere una percezione più intensa.

Pittore, pastellista, disegnatore e litografo, Redon nutriva un grande amore per la letteratura. Ammiratore di Gustave Flaubert, Edgar Allan Poe, Charles Baudelaire ed egli stesso attivo come letterato e compositore, l’artista francese considerava la musica, i temi letterari e le arti figurative indissolubilmente legati tra loro e riuscì a fondere la potenza espressiva delle tre arti nella propria opera.

Redon trovava ispirazione nelle fonti letterarie e musicali dall’antichità classica fino a Richard Wagner e la mostra lo illustra grazie a diversi temi specifici, quali il cavallo alato (Pegaso) o la donna come simbolo di bellezza (Beatrice).
L’ammirazione per Wagner è dimostrata, tra l’altro, dalle sue rappresentazioni di Brünnhilde e Parsifal. D’altronde i suoi contemporanei descrivevano frequentemente la sua opera nei termini di un’esperienza musicale. Lui stesso si definiva un “peintre symphonique”, un pittore sinfonico.

Con opere provenienti da un’importante collezione privata, dalle vaste collezioni Redon del museo e da numerosi prestiti da altre collezioni pubbliche e private, la mostra offre un’ampia visione dell’opera dell’artista francese, considerato il precursore del Simbolismo.

Tutti gli appuntamenti della rubrica “Da vedere in Europa” sulla rivista IconArt Magazine n° 02

 

“L’immagine invisibile”, l’anti-mostra della Tomba del Tuffatore

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A Paestum, nella costiera cilentana, si festeggiano i 50 anni dalla scoperta della celeberrima Tomba del Tuffatore, emblema stesso del luogo e dell’antichità classica, con una mostra visitabile presso il Parco Archeologico di Paestum fino al 7 ottobre 2018. Con i suoi criptici affreschi, la sua decorazione figurativa non usuale per sepolture anteriori al IV secolo a.C. e la sua provenienza greca, la Tomba ha sempre lasciato un dibattito aperto sulle sue interpretazioni, sugli artisti che l’hanno decorata e su chi l’ha commissionata, sul significato allegorico-misterico o meno del famosissimo tuffo.

Su queste premesse poggia  il concept della mostra “L’immagine invisibile”, che in realtà si dichiara un’anti-mostra perché non vuole tanto dare delle risposte a domande irrisolte, quanto invece indurre il fruitore a porsi dei nuovi quesiti, partecipando anch’egli al dibattito di sempre. Pertanto il percorso espositivo si delinea tra scoperte archeologiche rinvenute fin dal Settecento e aventi come focus la ricerca delle espressioni  artistiche dei culti misterici antichi. Ne passa in rassegna alcune tra le più interessanti, accostandole e confrontandole con opere che testimoniano il contesto storico-culturale che ha caratterizzato le varie epoche in cui sono avvenuti i ritrovamenti e quindi le diverse visioni a riguardo, accendendo sempre di più il dibattito nel tempo.  Si va quindi dalle visioni edonistiche settecentesche alle interpretazioni dell’800 filtrate in opere di artisti come Canova a quelle ambigue del 900 come l’ “Orfeo trovatore stanco” di De Chirico.

Secondo i curatori della mostra, solo un’esposizione concepita in questa maniera, ossia impostata su un rapporto di contemporaneità tra gli scavi e i sostrati ideologici di epoca in epoca a sostegno, può meglio far intuire il perché di una controversia scientifica così accesa che ha investito la scoperta della Tomba del Tuffatore sin dall’inizio e il perché questa sia, forse più di ogni altro reperto classico, grande fonte d’ispirazione per artisti e scrittori contemporanei.

A sostegno della mostra anche un convegno che si terrà dal 4 al 6 ottobre 2018 che attraverso nuovi dati e approcci, darà nuova lettura della Tomba del Tuffatore riallacciando relazioni tra valori culturali e forme di trasmissione, materialità e ideologia, contesto e significato.

Maggiori informazioni sul sito Parco Archeologico di Paestum

“La cuina de Picasso”: la mostra è servita!

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Fino al 30 Settembre 2018 a Barcellona, presso il Museo Picasso, è possibile visitare una mostra davvero singolare sull’artista simbolo del Cubismo, in cui vita ed opere passano per le suggestioni culinarie che hanno caratterizzato la sua esperienza. E’ “La cuina de Picasso”, un percorso espositivo costituito da scritti poetici e nature morte, quadri ispirati al cibo e sculture realizzate assemblando utensili da cucina. Circa 200 opere, provenienti da collezioni private e musei di tutto il mondo, che rievocano i rapporti sociali dell’artista andaluso, passanti per i locali simbolo dell’avanguardia: da El Quatre Gats a Barcellona o al Lapin Agile, sulla collina di Montmartre, nel periodo di permanenza a Parigi. Ma ci sono anche luoghi emblematici di un’epoca tormentata, come il ristorante Le Catalan, non lontano da calle Grand Augustins, che Picasso frequentava durante l’occupazione tedesca, pranzando lì in compagnia degli amici.

Un approccio originale pensato dal Museo barcellonese nell’ambito del grandioso progetto Picasso-Méditerranée, nato da un’iniziativa del Musée national Picasso-Paris: una rassegna culturale che è un viaggio  all’interno del lavoro dell’artista, che coinvolge oltre 60 istituzioni internazionali, tutte con iniziative particolari, che si spalmano in un arco di tempo che va dalla primavera del 2017 fino a quella del 2019.

La mostra si divide in sezioni, ognuna con un tema specifico – il cibo, la cucina catalana e quella cubista, la penuria in tempo di guerra, gli scritti surrealisti, ecc. – che indaga l’immaginario iconografico e sensoriale dell’artista secondo una diversa e particolare rilettura, rintracciando nei luoghi, nella cucina, negli utensili, tratti simbolisti e linguaggio metaforico tipico dell’arte di Picasso. Completa la mostra, l’intervento dello chef Ferran Adrià che in un dialogo tra il processo creativo dell’artista e la creazione culinaria contemporanea, unisce arte e gastronomia in un’esperienza unica.

Altre informazioni sul sito ufficiale della mostra “La cuina de Picasso”

Al MoMa di New York, l’arte di Brancusi

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Al MoMa di New York si omaggia uno dei maggiori scultori del Novecento, Constantin Brancusi, che con la sua continua sperimentazione stilistica, ha dato nuova dimensione alle arti plastiche, amplificandone le possibilità della loro libertà espressiva rispetto ai soggetti raffigurati, riportandoli quasi all’astrazione. Con una mostra aperta al pubblico dal 22 luglio 2018, il Museo di Arte Contemporanea della Grande Mela porta lo spettatore a scoprire la visione purista, sintetica e primitivista dell’artista rumeno che rivoluzionò il modo di intendere la scultura.

Stabilitosi a Parigi nei primi del ‘900, Brancusi fu dapprima affascinato dai giochi di luce delle forme scolpite da Medardo Rosso, che ebbe modo di vedere in una retrospettiva che si svolgeva nella capitale mondiale dell’arte proprio in quegli anni, ed entrò poi a far parte della scuderia degli apprendisti di Auguste Rodin. Qui ben presto si trovò a rifiutare la pratica di studio di modellare la creta per poi fonderla nel bronzo, per prediligere invece una scultura che libera direttamente, dal legno e dalla pietra, le forme sempre più stilizzate del reale. La sua vena di sperimentatore lo portò pian piano a definire uno stile tutto suo, personale, che influenzò la scultura del secolo scorso, fatto di semplicità e sintesi, di sottrazione e schematizzazione delle forme, di evocazione dei soggetti per analogia e non di realismo descrittivo. La sua natura di innovatore invece lo portò ad annullare la distanza concettuale tra piedistallo ed opera d’arte, concependoli come un tutt’uno che si completa e si integra. Anche le sue ultime opere risentirono della continua sperimentazione, in una svolta sempre più tecnologia mediata dall’amico Man Ray, che gli fece conoscere l’arte su pellicola cinematografica. A questo punto le opere diventarono più dinamiche, ponendo se stesso al centro di una rappresentazione in cui l’artista è ripreso nell’atto di lavorare la materia, di plasmare le forme e giocare con la luce ed i temi d’ispirazione.

Tutto ciò è raccolto nell’esposizione delle 11 sculture di Brancusi messe in mostra accanto a disegni, fotografie, film che insieme creano una summa straordinaria della ricerca artistica dello scultore e che segnano, per la prima volta, legami e rapporti dell’artista con amici, mecenati e musei come lo stesso MoMa.

La mostra dal titolo “Constantin Brancusi Sculpture” è visitabile fino al 18 Febbraio 2019. Maggiori informazioni sul sito ufficiale del MoMa.

Inaugurazione “Biennale del Tirreno – La Selezione”

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Jean Blanchaert, curatore della mostra “Biennale del Tirreno – La Selezione”  e Armando Principe, presidente della Prince Art Gallery, vi aspettano per l’inaugurazione che si terrà oggi, 19 Luglio alle ore 19.00, all’interno della galleria d’arte Alson Gallery, nel centro di Milano.

L’esposizione premia il talento di artisti che sono emersi per le loro qualità e che, attraverso la sinergia di Blanchaert e Principe, continuano ad essere promossi e valorizzati. Il famoso critico d’arte infatti oltre a curare la mostra, accompagna l’esposizione con un’attenta recensione critica di opere e artisti; la Prince Art Gallery invece permette ad artisti e collezionisti di incontrarsi in un parterre importante per la promozione dell’arte, contribuendo ad accrescere un confronto produttivo e proficuo per l’artista emergente.

Nel rinnovare l’appuntamento per le 19.00, ricordiamo ancora i nomi degli artisti in mostra: Cecilia Corso, artista poliedrica, indagatrice dell’animo femminile; Marianna De Rosa, innovatrice dalla tecnica patch art e dalle tematiche ambientali; Gabriele Marchesi, figurativo ispirato dal concetto pubblicitario che esplora e travalica; Paolo Uttieri, sperimentatore della “sintesi sottrattiva” e del Nerismo; Sonia Vinaccia, artista dei sentimenti positivi; Zoran Vuckovic, scultore-musicista che rende fluida la materia.