Barocco

A Palazzo Reale una grande retrospettiva su de Chirico

Ottobre 2, 2019 by Lascia un commento

Dopo circa cinquanta anni dall’ultima personale di Giorgio de Chirico, l’artista delle “apparizioni metafisiche” torna a Palazzo Reale di Milano, con una retrospettiva che ne ricostruisce tutta la carriera attraverso uno straordinario excursus di un centinaio circa di suoi capolavori.

Aperta il 25 settembre 2019 la mostra “de Chirico” campeggerà nelle sale del museo fino al 19 gennaio 2020 raccontando uno dei maggiori maestri del Novecento da un punto di vista particolare ed inedito.

Allestita con prestiti provenienti da musei di tutto il mondo come il Tate Modern di Londra, il Metropolitan Museum di New York, il Centre Pompidou e il Musée d’Art Moderne de la Ville di Parigi, The Menil Collection di Huston e il MAC USP di San Paolo in Brasile, oltre che da enti milanesi quali il Museo del Novecento, la Casa Museo Boschi di Stefano, la Pinacoteca di Brera e Villa Necchi Campiglio, l’esposizione si fa chiave di accesso a quella pittura ermetica che è costante dell’arte del maestro del Novecento.

La mostra è così suddivisa in otto sale che procedono per accostamenti originali e particolari generando una catena di reazioni visive che catapultano lo spettatore in quell’atmosfera sospesa ed unica, tipica di de Chirico. Procedendo in concomitanza delle sue esperienze di vita, le opere esposte permettono di rintracciare l’evoluzione del suo pensiero e della sua carriera artistica fino ad approdare alla Metafisica, punto di arrivo di precedenti cicli creativi importanti nel decretare la sua crescita professionale.

Si parte dalle radici greche dell’infanzia per passare alle contaminazioni dell’arte rinascimentale italiana e della filosofia tedesca, agli anni più maturi della Parigi delle Avanguardie, nel cui contesto si nutrì quel pensiero metafisico capace di catturare non solo i Surrealisti ma anche il grande maestro della Pop Art, Andy Warhol, fino all’ultima fase delle rivisitazioni in chiave ironica del Barocco. Da qui anche particolare rilievo al periodo che ha generato lo stile delle rappresentazioni delle Piazze d’Italia, da cui uscirono i nuovi concetti di spazio poetico e terreno, gli approfondimenti sui manichini, sulla figura dell’uomo, sui nudi, gli autoritratti e l’atmosfera enigmatica che caratterizza tutta l’arte di de Chirico.

Maggiori informazioni sul sito Mostra de Chirico Milano

La magia carnascialesca del Barocco a Palazzo Pitti

Febbraio 21, 2019 by Lascia un commento

Aria di Carnevale anche a Palazzo Pitti dove dal 19 febbraio al 5 maggio 2019 una mostra mette in scena tutta la magnificenza carnascialesca del Barocco attraverso l’immagine delle maschere, delle feste e degli allestimenti dell’epoca. Centro nevralgico della mostra intitolata “Il carro d’oro di Johann Paul Schor. L’effimero splendore dei carnevali barocchi” è l’opera del pittore austriaco Schor che rappresenta “Il corteo del principe Giovan Battista Borghese per il carnevale di Roma del 1664”.

Come da consuetudine del periodo barocco, dove tutto doveva splendere e meravigliare, anche la festa in maschera organizzata dal principe Borghese per il carnevale romano del 1664 era un gran sfoggio di sfarzo e fantasia. La pomposità dell’evento venne immortalata in una grande tela dello Schor, al tempo collaboratore di Pietro da Cortona e Gian Lorenzo Bernini, divenuta nel 2017 di proprietà degli Uffizi e acquistata per essere esposta al Museo delle Carrozze a Palazzo Pitti.

Accanto a questa tela, grazie ad un prestito dal Museo di Roma a Palazzo Braschi, c’è un’altra grande opera esempio delle strepitose scenografie barocche delle feste e di tutti gli apparati decorativi che concorrevano alla loro grandezza scenica. È la “Giostra dei Caroselli a Palazzo Barberini” eseguita da Filippo Lauri e Filippo Gagliardi, dove è rappresentato l’evento organizzato in occasione dell’ingresso trionfale a Roma della regina Cristina di Svezia. Qui tra atmosfere notturne illuminate da centinaia di fiaccole, si muovono parate di personaggi in maschera, carri trionfali, colori ed esagerazioni.

A caratterizzare ancora di più la mostra sono poi disegni, oggetti ed incisioni tra cui la serie completa dei “Balli di Sfessania” di Jacques Callot, tre incisioni di Stefano della Bella sulla mascherata del 1661 a Boboli e la “Scena carnevalesca” di Bartolomeo Bianchini. Inoltre c’è tutta una rassegna delle maschere italiane del Seicento ed una “culla da parata”, realizzata dalla bottega dei fratelli Schor.

A Bologna una mostra d’arte presepiale

Dicembre 6, 2018 by Lascia un commento

Simbolo del Natale, il presepe ha una lunga tradizione artistica che vede, già dal XVI secolo, l’affermazione di tre grandi scuole: quella genovese, quella napoletana e quella bolognese. Proprio questa straordinaria tradizione e la diffusione nel tempo di questo specifico tipo di produzione artistica in Italia, spinge la città di Bologna, da oltre 10 anni, a dedicare nel periodo natalizio, un evento espositivo all’arte presepiale tradizionale documentandone il successo e le peculiarità, ponendosi su un confronto delle scuole presepiali di aree regionali diverse.

Con l’inaugurazione di oggi 6 dicembre 2018 si apre così la mostra, al Museo Davia Bargellini, “Presepi genovesi del Settecento dal Museo Giannettino Luxoro” che passa dall’arte napoletana, indagata in edizioni precedenti, a quella genovese e della sua prestigiosa scuola. L’esposizione vede, accanto all’ampia collezione di statuine in terracotta policroma dei secoli XVIII-XIX del Museo, anche due gruppi presepiali databili fra la seconda metà e la fine del XVIII secolo e provenienti dalle raccolte del Museo Giannettino Luxoro di Genova. Queste collezioni sono rappresentative dell’alta qualità d’esecuzione raggiunte dalla scuola genovese e riconducono ai due filoni compositivi diversi che si sono distinti in questa produzione, generalmente di destinazione domestica, di ridotte dimensioni, ma di grande pregio. Da una parte, ci sono statuette in legno scolpite a tutto tondo e policromate, dall’altra manichini lignei articolati, parzialmente policromati, e rivestiti con abiti in splendido tessuto ricamato, testimonianza della grande manifattura tessile cittadina. Caratteristica della tradizione genovese è l’uso quindi del legno come materiale di esecuzione, diversamente da quella bolognese che utilizzava la terracotta e da quella napoletana che usava una combinazione di materiali tra terracotta dipinta per la testa, legno per le estremità, anima in ferro dolce e stoffa per il riempimento. L’uso del legno a differenza della terracotta bolognese, agevolava la possibilità di cambiare vestiti ed accessori alle figure, rispondendo maggiormente così alle esigenze spettacolari del presepe barocco.

La mostra è visitabile fino al 20 gennaio 2019 ed a ingresso libero. Durante il periodo di apertura sono previste visite guidate gratuite e iniziative per bambini e adulti.

Maggiori informazioni sul sito Musei Civici d’Arte Antica | Istituzione Bologna Musei, promotore dell’evento in collaborazione con il Centro Studi per la Cultura Popolare

Cavallo - Museo Luxoro - co. Museo Davia Bargellini, Bologna, 2018 — Cavallo – Museo Luxoro – co. Museo Davia Bargellini, Bologna, 2018

Presepi genovesi Settecento - foto allestimento - Giorgio Bianchi — Presepi genovesi Settecento – foto allestimento – Giorgio Bianchi

Adorazione Magi - Museo Luxoro 2014 - co. Museo Davia Bargellini, Bologna, 2018 — Adorazione Magi – Museo Luxoro 2014 – co. Museo Davia Bargellini, Bologna, 2018

Festa a Torino: riapre la Cappella della Sindone dopo 21 anni di restauro

Settembre 28, 2018 by Lascia un commento

Finalmente dopo circa 21 anni di restauro riapre la Cappella della Sindone a Torino.

Dopo il terribile incendio dell’11 aprile 1997 che ha letteralmente devastato e distrutto il capolavoro d’arte barocca realizzato da Gaurino Guarini, da oggi 27 settembre 2018 è possibile riammirare il monumento recuperato. Difficili gli interventi di ricostruzione per i quali mancavano i riferimenti ai disegni originali e per i quali è stato necessario anche riaprire delle cave antiche delle Alpi Marittime da cui reperire il marmo utilizzato dal Guarini. I lavori comunque non sono ancora totalmente completati. Manca da recuperare l’altare dov’era custodita la cassa della Sacra Sindone, per la quale si provvederà dalla prossima primavera.

Intanto una serie di iniziative accompagna la riapertura della struttura. Dopo la cerimonia di stamattina, stasera alle 20,30 si saluterà la rinascita della cappella con una spettacolare illuminazione notturna della cupola, mentre il 28 alle 19.00 ci sarà una messa solenne per i fedeli e il 29 un concerto in Duomo. Previsto anche un convegno internazionale sulla storia ed il recupero dell’opera del Guarini.

I visitatori potranno ammirare il capolavoro dal 28 al 30 settembre al costo speciale di 3,00 euro. Nello Spazio Confronti della Galleria Sabauda sarà disponibile anche un percorso di realtà virtuale con la ricostruzione per immagini del lungo lavoro che hanno dovuto affrontare i restauratori.

Il mito di Ercole nell’arte

Settembre 17, 2018 by Lascia un commento

Scaviamo ancora nei tesori della mitologia classica che hanno ispirato nelle epoche, artisti di ogni genere. Ognuno secondo la propria arte, che sia essa pittura, scultura, cinema o musica ci ha consegnato storie affascinanti, simboliche e metaforiche che rispondono e testimoniano sia delle diverse interpretazioni personali del mito sia delle filosofie di un’epoca. Tra questi miti c’è quello di Ercole.

Secondo la tradizione classica, Ercole era figlio illegittimo di Giove, avuto durante uno dei tanti rapporti “extraconiugali” del dio, con una mortale, posseduta con l’inganno. A causa di ciò, Giunone, compagna di Giove, nutrì per l’eroe un odio immenso che scatenò dapprima l’abbandono del neonato dalla madre Alcmena, terrorizzata dalla vendetta della dea, poi la pazzia dell’eroe ed infine la tragica morte. Bellissimo e forte fin dalla nascita, Ercole riuscì, fin che poté, a resistere alle sventure: strozzò il serpente che Giunone gli mise nella culla, superò le famose dodici fatiche a cui si sottopose per redimersi dall’omicidio dei figli in preda alla pazzia, combatté i Giganti, si unì alle imprese degli Argonauti ed infine uccise il centauro Nesso che insidiava sua moglie Deianira. Fu proprio Deianira, poi, inconsapevolmente a destinarlo alla morte. Convinta, infatti, che la camicia intrisa del sangue di Nesso agisse da talismano d’amore, la fece indossare ad Ercole, che venne invece corroso e ucciso. In seguito alla tragica morte, Giove lo volle sull’Olimpo, donandogli l’immortalità.

Questo mito lo ritroviamo in letteratura, nelle arte decorative, nel cinema (anche disneyano) e attualmente è oggetto di una mostra titolata proprio “Ercole e il suo mito”, in corso a Torino fino al 10 Marzo 2019, all’interno della Reggia di Venaria. Circa 70 opere tra reperti archeologici, gioielli, dipinti che vanno dall’epoca classica al Novecento uniti anche alla visione cinematografica hollywoodiana del mito.

Tanti gli artisti che si sono cimentati con i significati del mito di Ercole. Vediamone qualcuno.

Annibale Carracci, ce ne dà più di una testimonianza, nella decorazione iconografica della volta del Camerino di Palazzo Farnese a Roma, con una tela centrale di “Ercole al bivio”, due affreschi laterali di “Ercole che regge il globo” ed “Ercole che si riposa” e varie altre scene della vita dell’eroe. L’interpretazione del mito qui è la vittoria della virtù sul vizio. Nel dipinto centrale un giovane indeciso Ercole è tra due donne, la seducente Felicità (Vizio) e l’austera Virtù. Gli occhi dell’eroe rivolti alla Virtù rivelano la sua scelta. Nel primo affresco invece la figura di Ercole centrale che regge il mondo, con accanto due astronomi è paragonabile al mito di Atlante; mentre il secondo affresco rappresenta il riposo dell’eroe dopo le fatiche, i cui simboli sono sparsi nel dipinto insieme ad una misteriosa testa di Sfinge, forse accenno alla città natia di Ercole, Tebe, in cui fu portata la creatura fantastica. (“Ercole al bivio” – 1595-96 – Napoli, Museo nazionale di Capodimonte); (“Ercole che regge il globo”; “Ercole che si riposa” – 1595-97 – Roma, Palazzo Farnese)

Annibale Carracci - "Ercole che regge il globo" - 1595-97 — Annibale Carracci – “Ercole che regge il globo” – 1595-97

Il fiammingo Pieter Paul Rubens rappresenta un momento significativo della vita dell’eroe: l’umiliazione della schiavitù e della sottomissione a Onfale, regina di Lidia, che sedusse Ercole, ne ebbe figli e poi lo costrinse alla servitù e al ridicolo. In Rubens ciò è evidente nelle posizioni assunte dalle figure (Onfale in piedi in alto che sovrasta Ercole seduto) e nell’atteggiamento della donna che prende l’eroe da un orecchio sotto gli occhi dei figli. (“Ercole ed Onfale” – 1603 – Parigi, Museo del Louvre)

Pieter Paul Rubens - "Ercole ed Onfale" - 1603- particolare — Pieter Paul Rubens – “Ercole ed Onfale” – 1603- particolare

Il pittore barocco e precursore del Rococò, Gregorio de Ferrari, ha lasciato diverse tele che raccontano la vita dell’eroe ed immortalato soprattutto le sue celebri fatiche nelle fogge tipiche dell’arte di fine XVII secolo. Ben cinque tele dell’artista sono visitabili presso la mostra “Ercole e il suo mito”, già accennata.

Noto soprattutto come ritrattista, John Singer Sargent lascia invece un dipinto di Ercole con l’Idra, appartenente al ciclo murale decorativo del Museum of Fine Arts di Boston. L’allegoria dell’Ercole che combatte contro il mostro sottolinea – nell’autorevolezza classica che contraddistingue anche gli altri soggetti mitologici del ciclo – il ruolo del museo come guardiano delle belle arti. L’impostazione è scenografica; gli ori che accompagnano l’iconografia richiamano alla mente l’art nouveau.(“Ercole e Idra” – 1922-25 – Boston, Museum of Fine Arts ).

Il mito di Orfeo nell’arte

Agosto 10, 2018 by Lascia un commento

La mitologia classica è un vero e proprio pozzo d’ispirazione per gli artisti di ogni genere. L’arte, che sia essa cinema, pittura, scultura, musica rimane spesso affascinata dalle storie simboliche e metaforiche dei miti antichi tanto da restituirci molte rielaborazioni artistiche che ne tengono viva la memoria e che a modo proprio riescono a svilupparne un altro significato o un messaggio recondito. Uno di questi miti tanto amati e riproposti è il quello di Orfeo.

Chi era Orfeo? Secondo i tramandi classici era un poeta-cantore della Tracia, talmente bravo nell’arte di suonare la lira che con le sue note riusciva ad ammansire anche le più feroci delle bestie. Grazie al suo talento, fu di aiuto nella spedizione degli Argonauti e una volta tornato dall’impresa sposò la sua Euridice. Il giorno delle nozze, però, la donna per sfuggire alle violenze di un pastore da tempo invaghito di lei, corse via tra l’erba e venne morsa a morte da una vipera. Orfeo disperato si rivolse al dio dell’Ade, affinché potesse restituirgli la sua bella sposa. Avvinto anche il dio dalla melodiosa musica del poeta, gli concesse di riavere sua moglie a patto però che non si voltasse mai indietro a guardarla, mentre uscivano dal regno degli Inferi. Stava quindi per ricongiungersi alla sua amata, quando non sentendo i passi e assalito dal dubbio, Orfeo si voltò vedendo allontanarsi per sempre l’anima della sua sposa. A niente valsero i pianti e le preghiere notte e giorno rivolte ad Ade, che finirono per far infuriare le Baccanti, le quali uccisero il poeta, che così finalmente poté riunirsi alla sua amata.

Questo mito è stato celebrato in letteratura, cinema, musica, arte, finanche nel fumetto. Tanti gli artisti che ne hanno lasciato splendide interpretazioni. Proviamo a citarne qualcuno.

Il fiammingo Pieter Paul Rubens ci restituisce il mito in quell’istante tra la promessa fatta a Persefone e Ade, signori degli Inferi, e quel voltarsi indietro che ne romperà l’accordo. E’ il momento prima che svanisca per sempre il sogno d’amore di Orfeo, fotografato nei quattro protagonisti che dominano la scena con le loro forme morbide e baroccheggianti (“Orfeo ed Euridice” – 1636-’38 – Svizzera, collezione privata)

Antonio Canova, massimo esponente del Neoclassicismo, ci offre un bellissimo gruppo scultoreo formato da due blocchi: Orfeo seguito da Euridice. Il momento raffigurato è quello topico, quando il poeta si volta e capisce di perdere per sempre la sua amata. Il tratto è ancora tardo Barocco, il movimento è ciò che accompagna i sentimenti dei due personaggi: la disperazione di Orfeo che poggia la mano sulla testa e la rassegnazione di Euridice che col capo rivolto in alto è avvinta dal destino e dalle fiamme dell’Ade. (“Orfeo e Euridice” – 1773-’76 – Venezia, Museo Correr).

Antonio Canova - _Orfeo e Euridice_ – 1773 -’76 - Venezia, Museo Correr — Antonio Canova – “Orfeo e Euridice” – 1773 -’76 – Venezia, Museo Correr

Gustave Moreau, precursore del Simbolismo, ha tratteggiato due momenti del racconto in due opere differenti. Da una parte abbiamo Orfeo che piange sulla tomba di Euridice, avvolto da atmosfere surreali dagli accenti tetri e i colori sfumati che accentuano la misura del dolore che pervade il protagonista (“Orfeo sulla tomba di Euridice” – 1890-‘91- Parigi, Musèe Gustave Moreau). Dall’altra la testa di Orfeo è adagiata sulla sua lira da una giovane Baccante, in un momento di delicata dolcezza che si contrappone alla furia omicida appena preceduta. Qui il clima è mistico, teatrale, nettamente differente dall’altra opera. (“Orfeo”- 1865 –Parigi, Musée d’Orsay)

Marc Chagall ripropone il mito nelle decorazioni per la cupola dell’Opera Garnier di Parigi, dove nel rappresentare la Ruota della Vita attraverso compositori e loro opera, soggetto e colore di riferimento, ci dà la sua visione surrealista ed onirica di un Orfeo totalmente intriso di blu intenso, la cui pennellata di colore ha il ruolo tranquillizzante dell’elaborazione del lutto (“Il mito di Orfeo” – 1977 – Parigi, Teatro dell’Opera)

A spasso per una città da… Patrimonio Unesco!

Maggio 14, 2018 by Lascia un commento

Quando si parla di Caserta, non si può non pensare subito alla sua meravigliosa Reggia settecentesca, simbolo della città. Eppure la Reggia è solo forse il segno più evidente di un luogo da un passato eccezionalmente ricco di storia e prestigio. Ne è prova il fatto stesso che oltre al Palazzo Reale ben altri due monumenti sono considerati Patrimonio dell’Unesco: l’Acquedotto Carolino e il Belvedere di San Leucio… Assolutamente da vedere!

La maestosità del Palazzo Reale

Prima tappa quindi, il Palazzo Reale. Uno splendido edificio in stile settecentesco, fatto costruire nel 1752 dal re Carlo di Borbone, sull’esempio della reggia di Versailles, con l’intento di renderlo centro ideale di una capitale moderna. Fu progettato dal Vanvitelli e mostra una tale maestosità della struttura ed imponenza di arredi, che visitarlo in un solo giorno non è facile! Si parla di circa 1200 stanze decorate, con uno scenografico scalone d’onore, teatro di corte e cappelle ed un parco lungo 3 Km, con 6 tra fontane e vasche, 2 giardini – uno all’italiana e uno all’inglese caratterizzato da piante autoctone ed esotiche – e tantissime statue che segnano il percorso all’interno dell’immensa area verde.

Accanto al Palazzo, si trova la Chiesa di San Francesco di Paola, dove sembra sia seppellito il Vanvitelli e l’Oasi del Bosco di San Silvestro, un tempo luogo di giochi e battute di caccia del re.

Parco della Reggia- particolare delle fontane

La manifattura della seta di re Ferdinando

Lasciata la Reggia, altra tappa obbligata – come detto – è il Belvedere di San Leucio che si trova nell’omonima frazione della città. Si presenta come un grande complesso nato per volontà del re Ferdinando di creare un’importante colonia specializzata nella produzione della seta di grande qualità, che pare abbia arredato luoghi come il Vaticano o Buckingham Palace. Qui è possibile visitare il Museo della Seta, dove sono conservati macchinari e strumenti che testimoniano quella proficua attività di un tempo.

Sia la Reggia che la manifattura di San Leucio venivano alimentati dal terzo monumento storico da non perdere: l’Acquedotto Capitolino, detto anche Acquedotto di Vanvitelli. La costruzione si rifà all’arte di epoca romana e per quanto buona parte dell’edificio sia interrato, i tratti che passano sui ponti ridanno un’immagine dell’acquedotto veramente scenografica.

Storia, tradizione e scienza

Non può mancare poi un giro a Casertavecchia, a 10 Km dal centro della città. Questo piccolo borgo medievale, sembra abbia fermato il tempo. Tra i suoi vicoli è possibile vedere botteghe artigiane e ristoranti tipici del luogo, dove sicuramente trovare la mozzarella di bufala aversana e la mela annurca. In questo luogo è possibile godere di vari punti da cui ammirare tutto il panorama, nonché i ruderi dell’antico castello.

In ultimo, al centro della città si trova il Duomo, in perfetto stile barocco, mentre per gli amanti delle scienze, a 15 minuti dal centro si trova il Planetario, il primo nel sud Italia tutto in digitale.