MoMa

New York celebra Calder, il genio che ha dato movimento alla scultura

Settembre 23, 2021 by Lascia un commento

“Se è della scultura essere immobile allora Alexander Calder non è uno scultore”. […] L’idea su cui ragiona Sartre, infatti, coglie nel segno la cifra stilistica del genio reso famoso dalla sua innovativa arte cinetica. A lui, fino al 15 gennaio, il Moma di New York dedica una grande mostra che riunisce pezzi della collezione dello stesso museo con nuovi arrivi provenienti dalla Calder Foundation. Cosa rende unici i suoi lavori, tali da caratterizzarli come iconici e simbolo di parte della storia dell’arte del XX secolo? […] Con lui tutto cambia, a partire dall’uso di materiali poveri e strampalati, dal ferro a quelli di scarto, in un gioco di innovazione e provocazione con l’occhio di chi guarda, teso quasi a costruire un meccanismo di ingannevoli rimandi. […] Moma è stato set di uno scambio produttivo sin da quando la sua produzione è stata esposta per la prima volta qui nel 1930, pochi mesi dopo l’apertura del museo. Quell’anno segnò l’inizio di una lunga e fruttuosa relazione: quella tra l’artista americano e il tempio sacro dell’arte fondato e diretto da Alfred H. Barr Junior. Ed è attorno a tale relazione che verte la mostra “Alexander Calder: Modern from the Star”, la quale raccoglie settanta opere accompagnate da film, fotografie storiche e materiali d’archivio.

L’incipit del lavoro filologico va ricercato nelle due esposizioni storiche del 1936, “Cubism and Abstract Art” e “Fantastic Art, Dada, Surrealism”, che includevano entrambe suoi lavori originali. […] lo scultore donerà ben 19 opere al museo newyorchese.

Questa mostra, guarda infatti al lavoro di Calder attraverso la lente di ingrandimento di una interconnessione molto stretta tra l’idea creativa e lo spazio che la ospita e che ne custodisce la memoria e l’intuizione. Durante gli anni formativi del Moma, Calder, nel suo ruolo non ufficiale di “artista della casa”, è stato più volte chiamato a produrre diverse opere su commissione, tra cui Lobster Trap e Fish Tail, un mobile multicolore appeso nella stessa tromba delle scale per cui è stato realizzato nel 1939. Da allora le sue creature leggere e multiformi sono state l’anima delle gallerie del Museo e dello Sculpture Garden. In vetrina compaiono autentici capolavori che difficilmente sono stati esposti fuori dai confini della Grande Mela, tra cui il grande Man-Eater with Pennants, accolto in Giardino per la prima volta dopo il restauro. […] le prime figure in filo e legno, le opere su carta, i gioielli, le monumentali sculture astratte, tengono alta l’attenzione del pubblico grazie a una sintesi formale e cromatica in costante movimento, quasi una coreografia leggera, con passi di danza non scritti, che fendono l’aria e la disegnano. Tra i lavori più interessanti in mostra a New York, A Universe (1934), un cosmo in miniatura nonché uno dei suoi primi Mobile meccanizzati, sculture dalla serie Constellations degli anni ‘40 e gioielli creati dall’artista per gli amici e la famiglia […]

Articolo completo sulla rivista IconArt Magazine n° 21

Le Donne dell’Arte…

Marzo 8, 2021 by Lascia un commento

L’8 marzo attraverso il volto di alcune delle tante donne che hanno fatto la storia dell’arte…

Sofonisba Anguissola (1532-1625): nobildonna piacentina, tra le prime esponenti della pittura rinascimentale europea, divenuta ritrattista ufficiale della famiglia reale spagnola fino alla morte della sua protettrice, la regina Isabella di Valois.

Artemisia Gentileschi (1593-1653): pittrice seicentesca, prima donna ad essere ammessa all’Accademia del disegno fiorentina. Subì violenza, calunnia ma continuò a sfidare i suoi tempi. Il suo stile caravaggesco è drammatico e fortemente espressivo.

Berthe Morisot (1841-1895): pittrice francese e modella di Eduard Manet, suo cognato, che la dipinse in 11 tele, ma anche unica esponente femminile del circolo degli Impressionisti, messa spesso in ombra ma dal talento indiscutibile.

Élisabeth Vigée Le Brun (1755-1842): bella e talentuosa pittrice francese tanto da essere diffamata ed accusata di limitarsi esclusivamente a firmare le sue opere, per gli altri realizzate invece da un uomo. Fu confidente, amica e pittrice preferita della regina Maria Antonietta.

Tamara de Lempicka (1898-1980): pittrice polacca, tra le esponenti più rappresentative dell’Art Deco, simbolo di eleganza, indipendenza e modernità. Le donne immortalate nelle sue opere sono “veneri moderne, borghesi, sensuali”.

Frida Kahlo (1907-1954): artista messicana dallo stile surrealista divenuta icona della società contemporanea: passionale, anticonformista, introspettiva. Nei suoi dipinti, e specialmente negli autoritratti, si possono leggere i “colori del dolore”.

Georgia O’Keeffe (1887- 1986)): pittrice icona del Modernismo americano: è stata la prima artista donna ad avere una personale al MoMa di New York. Le sue opere si dividono tra figurativo ed astratto. I suoi fiori sono un insieme di sensualità e mistero.

GERHARD RICHTER : L’artista contemporaneo che ha ispirato il film “Opere senza autore”

Giugno 5, 2020 by Lascia un commento

Il film “Opere senza autore”, che ha ispirato il regista Florian Henckel von Donnersmarck, nasce dall’ incontro con l’artista contemporaneo Gerhard Richter, conosciuto anche come uno degli artisti più influenti e quotati al Mondo.

Nasce a Dresda il 9 febbraio del 1932, da padre insegnante e madre pianista, dalla quale eredita la passione per l’arte e la cultura. Negli anni della Seconda guerra mondiale coltiva la sua passione per la pittura. Dopo aver iniziato una carriera come pittore di scenografie teatrali, qualche mese prima della costruzione del muro di Berlino (1961) fugge con sua moglie a Düsseldorf , in Germania Ovest, dove scopre l’Espressionismo Astratto e le tendenze dell’Avanguardia, introducendo un nuovo stile d’arte con Polke e Konrad Fischer , che passa con il termine di Kapitalistischer Realismus (Realismo capitalistico)

L’ Artista più influente dalla Visione Irriverente

Dal 1971, diventato professore di ruolo all’Art Academy di Düsseldorf, evolve il suo stile verso una pittura sobria che richiama la Corrente Minimalista ed il tema ricorrente della memoria familiare. In questi anni dipinge tele in bianco e nero, al cui interno le figure sono restituite con effetti di sfocatura. I soggetti sono ispirati dalle fotografie scattate negli anni precedenti che rimandano ad una nota malinconica e di smarrimento che riflettono sulla storia e le vittime del nazionalsocialismo.

Nelle sue immagini astratte , Richter sovrappone molteplici strati di colore, l’effetto ottenuto gli permette di far riemergere i livelli inferiori tramite brecce negli strati della pittura più superficiali. L’artista accetta qui la componente casuale del processo ,fondamentale per il risultato finale,che gli permette di ottenere dei dipinti imprevedibili. Elementi contraddistintivi per la sua Visione Irriverente volta a negare qualsiasi tipo di ideologia, lasciandosi andare all’ interpretazione attraverso l’osservazione , al di là di qualunque stile definito. La materia non è organizzata per significare necessariamente qualcosa, ma per significare e rappresentare unicamente sé stessa, in maniera contingente.

Richter e la sua quotazione d’artista milionaria

Fonte di ispirazione per scrittori,musicisti,registi e portavoce degli Artisti del nostro tempo, Richter è uno tra i nomi maggiormente quotati del panorama artistico contemporaneo. Secondo una classifica stilata dal portale Artnet , tra le cento opere più costose, realizzate da artisti ancora in vita e vendute nelle aste degli ultimi cinque anni , 34 recano la firma di Richter. Storica l’opera Abstraktes Bild 1986 battuta dalla Sotheby’s nel 2015 , per 46.306.758 $.

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Tra le sue innumerevoli presenze negli scenari internazionali che spaziano dal MoMa, al il Centre Pompidou di Parigi e il Guggenheim di Bilbao, ricordiamo MAXXI Museo nazionale delle arti del XXI secolo, sezione d’arte figurativa, di Roma e la Collezione Terrae Motus presso la Reggia di Caserta.

Messaggi di Valore

Raccogliamo alcune delle sue citazioni più emblematiche :

“Per me il grigio è benvenuto; è il colore che corrisponde meglio all’indifferenza, al rifiuto di messaggio, all’assenza di opinione e di forma. Ma il grigio – così come l’assenza di forma e tutto il resto – è reale solo come idea e quindi la sola cosa che posso fare è di creare un tono di colore che dovrebbe rivelarsi grigio, ma che non lo è. Il quadro è quindi un insieme di grigi fittizi percepibili come una superficie pittorica.”

“Uno deve credere in ciò che sta facendo, uno deve impegnarsi interiormente, per fare la pittura. Una volta ossessionato, alla fine lo si porta al punto di credere che si possa cambiare gli esseri umani attraverso la pittura. Ma se non si ha questo impegno appassionato, non c’è più niente da fare. Quindi è meglio lasciarlo solo. Fondamentalmente dipingere è idiozia.”

Un Artista irriverente e molto ricercato, soprattutto dai collezionisti milionari, di cui sentiremo ancora parlare.

A Bologna la mostra di Ponzi per “La grande mappa della Metropolitana di New York”, omaggio a Vignelli

Marzo 29, 2019 by Lascia un commento

Dal 1 aprile al 5 maggio 2019 il Foyer del MAMbo – Museo d’Arte Moderna di Bologna espone una riproduzione in legno della carrozza di testa della metropolitana di New York disegnata da Emiliano Ponzi, uno dei maggiori illustratori italiani conosciuto a livello internazionale.

La mostra è legata alla commissione fatta direttamente dal MoMa di New York a Ponzi: un volume scritto ed illustrato inerente la storia della mappa della Metropolitana di New York, disegnata nel 1972 da Massimo Vignelli, designer di fama mondiale. L’idea nasce per divulgare l’eccezionalità di un’opera che si presenta come “iconica” e “pionieristica” e per far passare il messaggio che il graphic design possa essere considerato come una disciplina progettuale funzionale, in grado di risolvere problemi.

Il volume intitolato “La grande mappa della Metropolitana di New York” (MoMA – FATATRAC Edizioni, 2018), è stato redatto in seguito a continue frequentazioni di Ponzi agli archivi del New York Transit Museum a Brooklyn, che hanno portato ad uno scritto ricco di aneddoti e raffigurazioni di treni e stazioni metropolitane newyorkesi, uno dei più grandi e complessi sistemi di trasporto pubblico nel mondo.

Ponzi è riuscito così a ricostruire il contesto culturale e le idee di Vignelli che fu in grado di realizzare un’imponente opera che coniugava l’approccio modernista europea al design americano. Vignelli ed il suo staff infatti, dopo circa due anni di studi e ricerche, riuscirono a progettare una soluzione minimalista che potesse tradurre il labirintico sistema della rete metropolitana e di tutte le sue informazioni, in una mappa facile da consultare sia per newyorkesi che per i turisti. Una mappa così funzionale ed avanguardistica che ancora oggi, dopo 47 anni, resta un punto di riferimento importante e una lezione precisa di chiarezza e purezza formale.

Con la mostra al MAMbo si vuole ulteriormente omaggiare la lezione di Vignelli che diventa esperienza dal vivo. All’interno di un percorso circolare, oltre alla riproduzione in legno, sono esposte anche le sedici tavole presenti nel volume.

L’inaugurazione sarà il 31 marzo 2019 alla presenza dell’illustratore. La mostra – in collaborazione con MoMa e Fatatrac – entra all’interno del programma di eventi che il Dipartimento educativo MAMbo organizza nei giorni della fiera dedicata all’editoria per l’infanzia “Bologna Children’s Book Fair 2019”.

Maggiori informazioni su MAMbo Bologna.

[nella foto: Emiliano Ponzi – tavola della carrozza, metro di New York (Ufficio Stampa Bologna Musei)]

Passeggiare tra l’arte a New York: guida ai più interessanti musei della Grande Mela

Dicembre 10, 2018 by Lascia un commento

…Raccontare New York è impossibile. Lo è perfino per viaggiatori esperti, per chi vi ha messo radici. Non c’è itinerario che tenga. New York in tre giorni in cinque, in dieci. Ci sono città, come sostiene Calvino, di cui non godi le sette o le settantasette meraviglie, ma la risposta che dà a una tua domanda. E forse New York è proprio una di quelle città che questa risposta, quale che sia la domanda, prima o poi è in grado di fornirla. A partire da chi ha sete d’arte. Di un’arte stratificata, multietnica, senza accademia, senza barriere, senza schemi e senza codici.

Le tappe obbligate: il Met (Metropolitan Museum of Art), un piccolo globo con oltre tremila quadri provenienti da tutta Europa, con sale greche, romane e asiatiche, a cui fa contraltare la sala con le fotografie di Robert Menschel. Su tutti, per chi ama il contemporaneo, il Moma, che offre collezioni d’arte uniche tra cui i dipinti di Picasso, Van Gogh e Warhol. Il Solomon Guggenheim Museum: tra le collezioni, vale la pena di ricordare quella di Justin Thannhauser. Il museo offre un viaggio tra il Cubismo, il Surrealismo, l’Espressionismo sino all’astrattismo e l’arte americana minimale. Famoso per le opere di Kandinsky e per l’architettura del palazzo che di per sé lo rende un museo dentro il museo. Al Whitney Museum of American Art, invece, è possibile apprezzare i lavori di Edward Hopper e Alexander Calder. E ancora alla Frick Collection, tra fontane e uno spettacolare giardino interno, ecco spuntare Rembrandt, Vermeer o Hals. Famosa per l’eccellente collezione di manoscritti e incunaboli, la Morgan Library…. Divertente, curioso, famoso e soprattutto molto istruttivo, l’American Museum of Natural History è il museo di New York più amato dai bambini… D’obbligo un tuffo nella storia passando tra il Butterfly Conservatory, con oltre 500 farfalle svolazzanti e l’Ocean Life, per un’immersione negli abissi più profondi.

E dopo una visita al museo? Impossibile non sorseggiare un cocktail in uno dei bar più cool della Grande Mela: The Happiest Hour, The Late Late, The NoMad Bar, ecc.

Articolo completo sulla rivista IconArt magazine n° 04

Al MoMa di New York, l’arte di Brancusi

Luglio 24, 2018 by Lascia un commento

Al MoMa di New York si omaggia uno dei maggiori scultori del Novecento, Constantin Brancusi, che con la sua continua sperimentazione stilistica, ha dato nuova dimensione alle arti plastiche, amplificandone le possibilità della loro libertà espressiva rispetto ai soggetti raffigurati, riportandoli quasi all’astrazione. Con una mostra aperta al pubblico dal 22 luglio 2018, il Museo di Arte Contemporanea della Grande Mela porta lo spettatore a scoprire la visione purista, sintetica e primitivista dell’artista rumeno che rivoluzionò il modo di intendere la scultura.

Stabilitosi a Parigi nei primi del ‘900, Brancusi fu dapprima affascinato dai giochi di luce delle forme scolpite da Medardo Rosso, che ebbe modo di vedere in una retrospettiva che si svolgeva nella capitale mondiale dell’arte proprio in quegli anni, ed entrò poi a far parte della scuderia degli apprendisti di Auguste Rodin. Qui ben presto si trovò a rifiutare la pratica di studio di modellare la creta per poi fonderla nel bronzo, per prediligere invece una scultura che libera direttamente, dal legno e dalla pietra, le forme sempre più stilizzate del reale. La sua vena di sperimentatore lo portò pian piano a definire uno stile tutto suo, personale, che influenzò la scultura del secolo scorso, fatto di semplicità e sintesi, di sottrazione e schematizzazione delle forme, di evocazione dei soggetti per analogia e non di realismo descrittivo. La sua natura di innovatore invece lo portò ad annullare la distanza concettuale tra piedistallo ed opera d’arte, concependoli come un tutt’uno che si completa e si integra. Anche le sue ultime opere risentirono della continua sperimentazione, in una svolta sempre più tecnologia mediata dall’amico Man Ray, che gli fece conoscere l’arte su pellicola cinematografica. A questo punto le opere diventarono più dinamiche, ponendo se stesso al centro di una rappresentazione in cui l’artista è ripreso nell’atto di lavorare la materia, di plasmare le forme e giocare con la luce ed i temi d’ispirazione.

Tutto ciò è raccolto nell’esposizione delle 11 sculture di Brancusi messe in mostra accanto a disegni, fotografie, film che insieme creano una summa straordinaria della ricerca artistica dello scultore e che segnano, per la prima volta, legami e rapporti dell’artista con amici, mecenati e musei come lo stesso MoMa.

La mostra dal titolo “Constantin Brancusi Sculpture” è visitabile fino al 18 Febbraio 2019. Maggiori informazioni sul sito ufficiale del MoMa.