premio IconArt 2021

Monica Pizzo nasce a Bolzano nel 1967 e sin da piccola mostra senso creativo e particolari doti per l’arte, oltre che una forte empatia nei confronti delle persone in difficoltà. Questa attitudine porta Monica a interessarsi attivamente delle problematiche legate al mondo sociale, alle persone in difficoltà e a far incrociare il mondo dell’arte ed il sociale. A soli 10 anni l’artista si aggiudica il premio per il “Disegno e tema dell’anno” al Teatro Gries in Bolzano: il riconoscimento le viene assegnato da Gianni Rodari e Italo Calvino.Ha partecipato a numerose esposizioni. In particolare si segnalano: Biennale Kosmos Fida, Galleria civica, Bolzano 2020; Personale alla Galleria Spazio 40, Roma 2019; Collettiva “I mille di Sgarbi”, Cervia 2019; Galleria contemporanea Micro, Roma 2019; rassegna Internazionale d’arte “Women in…Art”, Bari 2017; esposizione presso il Senato, Roma dicembre 2017; Berlino Film festival art, Berlino febbraio 2017; Mostra personale “Ex radamas”, 2004; dal 2000 al 2005 un tour di collettive con il Circolo Rodigini di Bolzano.

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Cetty Pillitteri nasce a Palermo nel 1949. Sin dalla tenera età denotauna certa tendenza alle materie artistiche e seguendo le proprie attitudini frequenta l’istituto d’arte della sua città conseguendone il diploma. La pittrice di personalità riservata e inquieta si mette continuamente in discussione, ricercando e sperimentando nuove tecniche e materiali. Sensibile ai temi legati all’ecologia, appare nei suoi quadri l’utilizzo della plastica che plasma in fogge e texture nuove, che trasformatasi in raffinato ornamento conferisce maggiore tridimensionalità alla sua pittura. Ciò che carpisce l’attenzione sulle opere della pittrice è la sua visione laterale del mondo; per lei arte è interpretazione, uno sguardo divergente che si posa sulla realtà e la cesella in forma nuova, autenticamente intima e primordiale. Ogni tratto rimanda a una pittura emotiva che lascia traccia di sé come una personale impronta sulla realtà. La complessità scenica si scioglie agli occhi di guarda in pura emozione, prestandosi a una lettura intima, di disarmante semplicità, lontana dalle sovrastrutture interpretative concettuali. Oggi la pittrice, consapevole della propria maturità, intesse con lo spettatore un sottile e raffinato di parole non dette: evoca, scruta, indaga, contamina e riflette nell’occhio di chi guarda il suo mondo aperto al nuovo e a una continua reinterpretazione. 

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Insegnante, pittrice, amante del bello e della creatività. Nata in provincia di Salerno nel 1964, è laureata in Scienze politiche. Ha dedicato parte del suo tempo alla pittura e alla poesia, dando così espressione alle proprie emozioni (espressionismo astratto). In un mondo appiattito da fallaci gossip e in una società “liquida” con “ca­parbia autenticità” dipinge e scrive. Attraverso le sue opere esterna i propri sentimenti e i propri stati d’animo, di gioia, di dolore, di smarrimento, di amore, comunicando agli altri con tonalità e colori forti la vitalità di emozioni primordiali. Le sue opere sono degli ologrammi di questi “stati d’animo”. Ama accostare alle sue opere dei versi che raccontano il proprio vissuto, attribuendo così, all’opera, maggiore forza espressiva. È autrice del libro “Stati d’animo” (raccolta di poesie). Ha al suo attivo diverse mostre personali tra cui quelle allestite nell’ambito delle rassegne “Luci d’artista” a Salerno e “Agosto campagnese” a Campagna nel 2014. Nel 2015 ha preso parte alla mostra collettiva “ArtExpo Barcellona Art Fair.

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Carlo Alberto Perillo nasce ad Orbetello nel 1963. Da sempre appassionato dell’arte, all’età di 14 anni organizza la sua prima mostra personale in un noto ristorante all’Argentario dove lavorava come cameriere; lì  incontra il Maestro Renzo Vespignani che gli insegna le basi dell’incisione e dell’acquaforte incitando al giovane pittore di proseguire la strada artistica. Dopo essersi diplomato all’istituto tecnico nautico come macchinista, Perillo capisce fortemente che la sua strada è quella dell’arte. Artista poliedrico,  infonde la sua arte nella personalizzazione degli ambienti domestici e lavorativi, utilizzando le arti della materia e del colore con stucchi, mosaici, complementi d’arredo, lampade, pavimenti, cucine, dimostrando come l’artista guarda la società e l’arte con uno sguardo differente e postmoderno. Perillo, che ha già in programma di esporre a New York e Parigi per il 2021, ha esposto in numerose mostre personali e collettive tra cui si annoverano: Biennale dei Normanni,  Monreale (PA) settembre 2020, vincitore del Premio Cultura Identità; mostra personale sul tema “Olocausto”, Porto S. Stefano (GR) 1993; mostra “Arte e Cinema”, Palazzo Desideri di Marino (RM) vincendo il suo primo premio internazionale “Dante Alighieri”, 1992.

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Annachiara Palombino, anno 1999, originaria di Belvedere Marittimo (CS), ma vive a  Verbicaro.
Il suo approccio con l’arte è iniziato da piccola quando sua madre le comprò un pacco di pastelli; da quel momento l’artista non ha più smesso di dipingere. Dopo anni di bullismo subito durante le scuole elementari e medie, attraverso l’arte è riuscita ad andare avanti e trovare il suo percorso personale. Infatti durante gli anni del liceo ha iniziato ad avvicinarsi sia alla distopia che all’utopia, concentrandosi su dei progetti completamente personali (il mondo soprannaturale, i sette peccati capitali). Dipinge per puro piacere e passatempo, dedicandosi anche alla “street art” creando murales sui muri del liceo, copiando perlopiù opere importanti della storia dell’arte nelle quali l’artista inserisce un  pezzo di sè, in modo da trasformarle in sue creature. Si ispira ad artisti e pittori del passato diventando inconsapevolmente loro alunna.

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Nata a Vibo Valentia, consegue il Diploma di Laurea in Pittura all’Accademia di Belle Arti di Reggio Calabria nel 2013. Il suo approccio alla pittura è dapprima surrealista: paesaggi antropomorfi e ambientazioni oniriche. Durante gli anni accademici consegue la qualifica di Arte Terapista ed esplora la creatività come ponte di dialogo con ragazzi affetti da autismo. Ispirata dal rapporto di amore e odio con la sua terra e tutte le contraddizioni che essa custodisce, i suoi paesaggi, quasi sempre tortuosi e tempestosi, lasciano trapelare orizzonti idilliaci, tramonti e albe spettacolari. L’olio e gli “ingredienti segreti” (inchiostri, resine, morsuranti) coesistono sulla tela e si fondono come in una elaborata ricetta alchemica, intrecciando materiali attentamente selezionati. Di fondamentale pertinenza è il celebre trattato di Kandinskij – “Lo spirituale nell’arte” – che Musella ha trasformato nel suo personale dizionario cromatico, affinché ogni tonalità superi il virtuosismo estetico e contribuisca al racconto del dipinto verso lo spettatore, con il suo proprio “suono”.  Tra le esposizioni più recenti da segnalare vi sono: “Arte Paris”, Parigi settembre 2019; “Arte Roma- Caput Mundi”, Roma giugno 2019; Primo Premio Nazionale LìMEN Arte, Vibo Valentia 2015.

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Nasce a Milano, ma vive molti anni della sua vita a Taranto e, nel 2006, si trasferisce a Roma, dove vive ed opera. Pittrice per vocazione ed inclinazione naturale, sin dall’infanzia dedica la sua vita all’arte. Da quelle prime acerbe prove, Montagna passa a più “ardue imprese”, con quadri ad olio su tela colmi di virtuosismi, grazie a significativi progressi nella padronanza delle tecniche compositive e ad uno studio universitario dei maestri della Pittura Italiana del periodo Umanistico-Rinascimentale. L’intensità con cui ha sempre vissuto la sua vita, è profondamente riflessa nella sua arte introspettiva, in cui l’impulso creativo è supportato dal nucleo di tutte le sue esperienze precedenti. Nel suo cammino evolutivo artistico, riscuote un sempre maggiore successo di critica e di pubblico. Ha al suo attivo, in ormai 30 anni di carriera, diverse mostre personali e numerose partecipazioni ad esposizioni collettive, oltre a rassegne in svariate città italiane ed estere. È inserita in cataloghi ufficiali dell’Arte Contemporanea Italiana e in riviste d’Arte nazionali. Sue opere figurano in importanti collezioni pubbliche e private, e in musei italiani.

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Paolo Monina nasce ad Ancona. Frequenta l’Istituto Tecnico conseguendo il Diploma di Ragioniere e Perito Commerciale e successivamente l’università alla facoltà di Giurisprudenza fino al terzo anno, senza conseguire la laurea. Il suo sogno era quello di frequentare una scuola d’arte, ma non gli è stato concesso dalla famiglia che preferiva una carriera professionale non artistica.

Negli anni a seguire, per far felici i suoi genitori, fa domanda per un concorso pubblico che vince, ma questo gli causa una forte crisi depressiva tanto da portarlo a rifiutare l’incarico di capo contabile presso il comune d’Ancona. A partire da quell’episodio Monina comincia a dedicarsi seriamente alla sua vera passione: l’arte e la creatività. Con i suoi primi e “intimi reportage” incomincia a realizzare alcune mostre personali. È in occasione di una di queste personali che conosce il titolare di una Agenzia di comunicazione di Moda che gli propone un lavoro come fotografo per collaborare in alcuni cataloghi, copertine di riviste, pagine pubblicitarie.

Nelle foto di Monina, nei suoi scatti più intimi, ritroviamo la sua vita “scritta”, i suoi segreti e i suoi sogni, ai quali non rinuncerà mai.

Oggi Monina è un fotografo/A.D. e book designer, un esperto del settore che possiede affinate competenze tecniche e senso estetico e che collabora con aziende nel settore della moda e degli accessori e con diverse agenzie di Comunicazione.

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Nasce a Lamezia Terme (Catanzaro) e trascorre la sua infanzia a Settimo Torinese.
Fin da piccola dipinge con passione e il suo talento è presto messo in luce. Utilizza diverse tecniche artistiche e, alla ricerca di una espressività che possa rappresentare quella che l’artista definisce “essenza della vita”, ha creato un linguaggio originale dove unisce il figurativo con la fluid art e il chian pull painting. I soggetti, realizzati in bianco e nero, sono spesso volti di donne, con profondi e potenti chiaroscuri. Il focus è quello di cogliere, attraverso le espressioni e i segni del volto, i sentimenti dei personaggi. Queste non sono figure reali ma simboliche, che rispondono ai diversi aspetti del mondo femminile. Dal 1992 partecipa a esposizioni temporanee in Italia e all’estero tra le quali, nel 2008, “La forza nel colore”, organizzata dalla Galleria Rosso Cinabro a Roma. Nel 2020 espone a Innsbruck e nel 2021 al “Global Art” di New York, a Miami e al Luxemburg Art Price. Le sue opere sono presenti in una ricca bibliografia e in testi critici, tra i quali “I Maestri del Secolo”, a cura di Salvatore e Francesco Saverio Russo del 2013.

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Solep è l’evoluzione di un altro tag che comincia dal 1996 a muoversi sulla scena dei graffiti sperimentando prospettive, colori e sfumature. L’evoluzione dello stile è generato dalla crescita interiore spirituale unita ad una metodica concettuale che spinge a voler comunicare quanto appreso alla collettività per tentare di smussare le emozioni limitanti che spesso ci imprigionano. È un invito a non soffermarsi troppo sulle apparenze perché, niente è come sembra. Solep con le sue opere invita a guardarsi dentro, a cercare risposte illuminando e percorrendo le nostre stesse zone d’ombra e labirinti inconsci col fine di trovare la luce nel mondo esterno guardando le cose con distacco emotivo per riuscire a scovare falsità e superficialità di persone ingannevoli nascoste dietro maschere o risposte mancate o forvianti. La nostra evoluzione ha come obiettivo la ricerca della felicità e della verità;la felicità Viene da dentro e inizia da noi stessi. La verità è luce e libertà.

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