premio IconArt 2021

Nato a Chiaravalle, in provincia di Ancona, Daniele Donna è cresciuto a Villanova, un piccolo quartiere di periferia di Falconara Marittima. Oggi vive in un paesino di cinquemila anime, Polverigi.

I genitori artigiani gli hanno trasmesso la bellezza del “fare” e del saper apprezzare il dettaglio.

Sin da piccolo impegnava il tempo disegnando. Quando frequentava le scuole medie ha cominciato ad usare i colori a olio, regalo dei genitori, salvo poi riporli in un cassetto quando aveva 18 anni. Ma quel cassetto rimasto chiuso per quasi 20 anni, si è riaperto in un momento in cui l’artista ha cominciato ad avvertire il bisogno di “parlare” un po’ più con se stesso. «Mi sono ritrovato – racconta – in un luogo dove non esiste più tempo, dove le cose nascono ed i pensieri muoiono, dove in ogni pennellata c’è un po’ di te e tutto si fonde nella tela». L’incontro con un professore ha fatto il resto, rendendolo un artista consapevole, capace di cimentarsi in più tecniche benché resti la predilezione per l’olio.

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Valeria Di Vece è nata a Salerno, dove vive e lavora. Dopo un breve periodo dedicato all’insegnamento, inizia la sua ricerca artistica nel campo della pittura, della scultura e della ceramica, che la porta a sperimentare diverse tecniche. L’artista, in maniera instancabile, passa da una disciplina all’altra, profondendo sempre ugual impegno e pas­sione per le diverse declinazioni dell’arte. Dapprima attratta dal mondo della ceramica e della scultura, campi nei quali manifesta una particolare propensione e sensibilità, si orienta poi verso la dimensione pittorica, rea­lizzando diversi e pregevoli lavori.

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Diplomata presso l’istituto d’Arte di Anzio, Katia Di Mella è una pittrice e decoratrice autodidatta.

Dal 2013 si occupa della creazione di pannelli decorativi, tele arredo con soggetti vari di carattere figurativo o astratto. La sua è una pittura ad olio e acrilico alla quale si aggiunge una sperimentazione multi-materica.

L’artista ha all’attivo numerose esposizioni tra cui: Biennale di Firenze, Firenze, 2019;  Mostra collettiva Art Workers presso la galleria Biblioteca Angelica di Roma, 2018; Mostra d’arte Contemporanea HIC ET NUNC presso l’Ambasciata della Repubblica Araba d’Egitto, Roma, 2018;  galleria Arte Borgo Gallery di Roma, mostra collettiva Tensioni estetiche e Moti di Spirito, 2018; Castello Ducale Orsini di Fiano Romano; III° Esposizione Arti Visive, 2017; esposizione presso il mausoleo della Bela Rosin di Torino; Biennale Metropoli di Torino.

Inoltre è vincitrice del Premio Medusa Aurea XXXIX, 2016.

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Pittrice autodidatta, Rosanna Di Cecca nasce a Calitri in provincia di Avellino nel 1973. Qui frequenta l’istituto d’arte. In seguito, pur non continuando con  gli studi artistici, non abbandona mai l’arte in  tutte le sue sfumature, anche seguendo un corso di vetrinistica presso la sede di Napoli. L’incontro con la pittura irrompe nella sua vita come valvola di sfogo e come terapia: un modo per sfuggire ai ritmi frenetici della routine quotidiana, rifugiandosi in una atmosfera onirica. Avverte un impulso irrefrenabile di avvicinarsi alla tela, ai colori, per riempire la sua esistenza e lasciare traccia di sé. La sua pittura nasce da un discorso introspettivo: sfrutta le emozioni, le sensazioni, i sentimenti, dandole una forma e una tridimensionalità sulla tela. Ma sempre con una luce, una speranza. In ogni opera trapela il desiderio di crescere e non arrendersi mai. Ha partecipato a diverse esposizioni internazionali tra le quali: “Arte Praga”, Praga, gennaio 2019; “Arte Salerno”, Salerno, dicembre 2018; “Arte Milano – The Factory”, Milano, ottobre 2018; “Biennale del Tirreno”, Cava de’ Tirreni (Sa), giugno 2018; “Triennale di Arti Visive”, Ferrara, 2018; “Premio Giuseppe Caresio”, Torino, giugno 2017.

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Nata a Castellammare di Stabia (NA), nell’81, fin da bambina ha mostrato una predisposizione artistica che l’ha spinta a diplomarsi presso l’Istituto d’Arte di Torre Annunziata in grafica pubblicitaria e fotografia. Per approfondire le nozioni teoriche apprese si iscrive ad un corso di grafica a Napoli. La passione per l’arte, in particolar modo per la pittura e la scultura, la porta a studiare come autodidatta, sperimentando e concentrandosi nel catturare la realtà, prediligendo figure umane.

Partendo dall’arte figurativa alla musica e anche alla passione letteraria, l’artista mette su carta o in quadri e disegni, le emozioni e i sentimenti, raffigurando scene di vita quotidiana e temi sociali delicati.

Ogni lavoro è prima una sfida con se stessa e come nella vita quotidiana, anche nell’arte cerca di mescolare vari elementi. Per realizzare le sue opere utilizza materiali diversi come carta, stucco, legno e stoffa. Il suo intento è cercare di entrare nell’anima dell’osservatore, uscendo dagli schemi ed arrivando ad una riflessione profonda.

Ispirata dai temi sociali attuali e da nobili valori di pace e solidarietà, l’artista mette il suo istinto creativo al servizio della società per il raggiungimento di libertà, gioia e pace.

Tra le esperienze: mostre personali come DI CHE AMORE MI AMERAI DI MALAMORE,Castello D’Aquino Grottaminarda (AV), 2019; collettive come Emirates Art Connection 2020,  Dubai-Umm Al Quwainn, 2020; e pubblicazioni.

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L’artista autodidatta, Elena De Stefano, è nata a Benevento nel 2001. Sin dalla tenera età si è avvicinata al disegno dimostrando grande interesse per il ritratto, spinta anche dal desiderio di emulare il papà.  Predilige l’uso di pastelli, matite colorate  e carboncino  per raffigurare personaggi noti vicino ai suoi gusti musicali, nonché volti che colpiscono la sua creatività. Ama realizzare effetti attraverso la tecnica dell’FX makeup, la  quale rappresenta l’attività che vorrebbe svolgere nell’età adulta.

Nel 2016 è stata premiata con il Trofeo Mercurio d’Oro per l’Arte a Cesenatico.

Ha vinto il primo premio ad Arte Salerno 2017 nella categoria giovani emergenti e nel 2018 una sua opera è stata  pubblicata sul Catalogo dell’Arte Moderna n° 54 edito da Giorgio Mondadori.

Ha partecipato a diversi eventi tra cui svariate collettive: IL RITRATTO presso il Complesso dei Dioscuri al Quirinale – Roma; a Civitavecchia presso la Cittadella della musica; a Dubai; alla Fiera di Innsbruck 2021; a Bologna  con Arte Contemporanea presso Palazzo Fantuzzi; poi presso PassepARTout unconventional Gallery a Pero (MI); a Cava De’ Tirreni presso la sala museale Santa Maria del Rifugio con Avalon Arte; alla collettiva Capri intreccio di Arte, Poesia e Natura presso il centro Eden Paradiso Anacapri nell’isola di Capri; a Benevento presso la Biblioteca Provinciale e presso  Rocca dei Rettori; e altre  manifestazioni nel territorio irpino. Molto apprezzata la sua arte anche sui social, in maniera particolare su Instagram, dove viene numerosamente seguita da un pubblico internazionale.

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Simone Cuccu, pittore naïf autodidatta contemporaneo, nasce a Villacidro in Sardegna nel 1986. Non frequenta alcuna accademia o corso artistico ma si approccia all’arte per un’istintiva e sensibile attrazione verso il disegno.

Dipinge inizialmente nel tempo libero appassionandosi alle arti figurative.

Crea la sua prima opera per gioco, attratto in modo particolare da un paesaggio.

Nel tempo incomincia ad interagire con altri artisti che lo portano e spronano a creare delle opere da esporre in aree dedicate ai giovani artisti locali. Inizia ad esporre in diversi ambienti culturali, chiese e musei conoscendo e facendosi conoscere da altri artisti e curatori che gli propongono di far parte di un simposio che lo porta a dipingere con i vinarelli (pittura naturale con il vino) e a far conoscere questa bellissima tecnica primitiva di pittura, in diverse città, grazie alle sue opere.

Negli anni successivi si trova a dividere le sue giornate tra lavoro e arte nelle principali città italiane.

Giunto a Bologna, ospite di amici di infanzia, inizia a dipingere nelle strade stipulando e concludendo qualche vendita personale, per poi esporre in alcune delle più conosciute piazze italiane, trovandosi tra Milano, Firenze, Torino, ecc.

Nel suo curriculum ha diverse esperienze tra cui una decina di mostre collettive, due personali e numerose estemporanee, concentrando gli anni più fervidi della sua attività artistica tra il 2015 e il 2019.

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Autodidatta, si avvicina spontaneamente ad un linguaggio che è affine al proprio modo di essere e che è in grado di far ascoltare all’osservatore la propria voce. Si divide tra il Realismo Pop, da cui prende la capacità di dar vita a ritratti e immagini perfettamente attinenti alla realtà, ma arricchiti dalle tonalità patinate della Pop Art, e l’Astrattismo, che utilizza per infondere atmosfera all’ambiente circostante necessario a concentrare il focus sull’emozione o la sensazione che desidera raccontare. Il suo mezzo espressivo non si ferma alle due principali e più evidenti correnti pittoriche, ma è trasversale e trae ispirazione da molti altri movimenti artistici dell’Arte Moderna – Futurismo, Dripping e Pop Art – dando vita ad un suo personale stile artistico. Nei ritratti, invece, Cecilia Corso ama esplorare e raccontare la diversità. Ha partecipato ad importanti mostre in Italia, allestite a Milano, Salerno, Venezia, Roma e Firenze. All’estero ha esposto a Parigi, Berlino, Londra, Praga, Madrid e Stoccolma. Ha ottenuto numerose menzioni e prestigiosi riconoscimenti.

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Daniele Ciliento nasce e cresce nella Roma popolare, in quartieri pittoreschi dai quali eredita una costante ricerca di osservazione e racconto.

La sua esperienza fotografica nasce amatorialmente pura, con la sua prima Lumix. Successivamente, però, la sua passione crescente lo spinge ad una formazione più profonda, cominciando così a frequentare diversi corsi di fotografia.

La sua voglia di sentire, di vedere, di viaggiare è tutta nei suoi scatti in giro per il mondo, tramite i quali ci porta nella sua visione, del tutto personale, dello spazio, del tempo, dell’uomo.

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Pino Chimenti ha frequentato L’AA. BB. di Urbino. Dal 1982 al 1984 ha partecipato agli Stages “Questioni delle Arti” di Anacapri.

“Chimenti – ha detto G. Dorfles riguardo all’artista – ormai da diversi anni prosegue nell’invenzione costante di strane leggende, nelle quali dei personaggi – tra il grottesco e l’affabile – si trastullano in mezzo a ghirlande di forme variopinte, sempre sostenute da un minuzioso grafismo.”

Hanno scritto di lui, tra gli altri: P. Balmas, L. Beatrice, B. Brollo, V. Conti, G. Cortenova, V. Dehò, G. Di Genova, G. Dorfles, L. P. Finizio, E. Forin, F. Gallo, F. Gualdoni, Janus, T. Trini, V. Trione, L. Vergine.

Mostre: Biennale del Sud, AA. BB., Napoli, 1988; Museo MAGA, Gallarate, 1989; Galleria Ammiraglio Acton, Milano, 1997; Museum of Fine Arts, Malta, 1998; Studio d’Ars, Milano; Gallery@ 49, New York, 2003; XIV Quadriennale d’Arte di Roma, 2003; Galleria L’Ariete, Bologna, 2004; CVB Space Gallery, New York, 2006; Studio S, Roma, 2007; Kasia Kai Art Project Gallery, Chicago, 2009; Galleria Blanchaert, Milano, 2010; 54° esposizione Internazionale d’Arte Biennale di Venezia (Pad. Italia, Arsenale), 2011; I 1000 di 13×17, a cura di Philippe Daverio, Palazzo Fava, Bologna, 2011; Camden Art Gallery, Londra, 2012; Galerie Vierraumladen, Berlino, 2013; MACA, Acri (CS), 2013; Senza terra/Without land, Biennale Architettura, Venezia, 2016; Eventi collaterali, 2016; IV Biennale libro d’artista, Castel dell’Ovo, Napoli, 2017; Padiglione Tibet, Palazzo Zenobio, Venezia, 2017; Onischi Gallery, New York, 2017; Blackout, Contemporary art event, Museum CBK, Amsterdam, 2018.

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